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Audioworkshops bestehen typischerweise aus drei Bereichen: dem Workshop selbst, in dem das Audio für die Aufnahme produziert wird, dem Kommandoraum, in dem der Lärm des Studios auf Video aufgezeichnet und eingestellt wird, sowie dem Geräteraum, wo lauter Musik ist Geräte, die die Audiomethode beeinträchtigen könnten, werden tatsächlich beibehalten.

AUFZEICHNUNG

Bereitstellung von Aufnahme- und Probenraum für Musiker in der gesamten Region.

MISCHEN

Mischen ist der Prozess des Kombinierens der verschiedenen Klangelemente von aufgezeichneter Musik.

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Bietet erstklassige Audio-Mastering-Dienste für lokale und nationale Künstler und Produktionsfirmen.

LETZTE VERANSTALTUNGEN

Der Beste Wecker für Senioren: Die Geemarc Sonic Boom Bomb

Der Beste Wecker für Senioren: Die Geemarc Sonic Boom Bomb

Am Morgen gut gelaunt aufzustehen ist für viele ein alltägliches Problem. Mit Schwerhörigkeit steht man zunehmend vor dem Problem, dass man den Wecker einfach nicht hört.  Damit gehen Belastung im Alltag einher. Zum Beispiel wenn man dadurch öfters zu spät in die Arbeit kommt.  Das passiert Ihnen mit dem Vibrationswecker von Geemarc allerdings nicht mehr. Der Wecker erfüllt alle Funktionen, die ein Wecker für Schwerhörige haben sollte.

Vibration zur Unterstützung der akustischen Signale

Die Vibratoren, die an den Wecker angeschlossen sind, bieten zusätzliche Unterstützung beim Aufwachen. Optimal platziert sorgen sie im Kissen oder im Bettlaken für kleine Erschütterungen. Dadurch werden Sie aus dem Schlaf erwachen, wenn Sie den Ton des Weckers einmal nicht hören. 

Extreme Lautstärke damit Sie auch bei Schwerhörigkeit Ihren Wecker hören

Wecker für Schwerhörige müssen eine andere Lautstärke besitzen als gewöhnliche Wecker. Auch die Tonhöhe muss spezifisch eingestellt werden können, da bestimmte Frequenzen nicht mehr wahrgenommen werden können. Das gilt insbesondere für höhere Töne. Diese können ab einem gewissen Alter generell nicht mehr wahrgenommen werden. 

Für ein gesundes Ohr sind 100db normalerweise zu viel des Guten. Über lange Zeit kann das zu einer Schädigung des Gehörs führen. Falls Sie bereits schwerhörig sind, ist ein solcher Wecker für Sie richtig. Sie können die Lautstärke eines solchen Weckers meist stufenlos einstellen. Sie sollten bedenken, das der Wecker für andere Personen im Haushalt oder Nachbarn aber eine Belästigung sein kann. Grundsätzlich eignet er sich aber auch für Personen, die besonders schwer geweckt werden können. Der Wecker sollte bei gesunden Ohren, aber in einem sicheren Abstand stehen.

Lichteffekte simulieren den Sonnenaufgang für ein schnelleres Aufwachen

Lichteffekte unterstützen zusätzlich zu Vibration und Lautstärke beim Aufwachen. Unsere visuelle Wahrnehmung ist für das Licht des Tagesanbruchs empfänglich. Man kennt das bereits von anderen Weckern, die sanft den Sonnenaufgang simulieren. Personen, denen sanfte Helligkeit nichts ausmacht, brauchen einen Wecker, der stärkeren Geschütze auffährt. Dafür braucht es dann stark blinkende Displays und Blitzlichter. Die meisten Wecker für schwerhörige Personen sind damit ausgestattet.

Mit dem Sonic Bomb 113 db werden Sie auch bei schlechten Gehör wach

Mit einem extra lauten Signalton weckt dich der Widex Wecker ganz egal wie schlecht Ihr Gehör ist oder wie tief Sie für gewöhnlich schlafen. Somit gehört er zu den besonders lauten Weckern. 

Die Tonhöhe und Lautstärke sind an die eigenen Bedürfnisse angepasst, damit Schwerhörige, die auf bestimmten Frequenzen eingeschränkt hören, den Ton des Weckers auf einen individuell optimalen Klang einstellen können. Auch die Schnelligkeit der Tonreinfolge lässt sich individuell einstellen. Sie können dabei auch zwischen verschieden Wecktönen auswählen.  So können Sie das Geräusch an Ihre hörbaren Frequenzen anpassen. Haben Sie zum Beispiel Probleme mit hohen Tönen, können Sie einfach einen tiefen Ton aussuchen und umgekehrt. 

Verschlafen ist mit dem Sonic Boom Bomb nicht mehr möglich. Der Geemarc Sonic Boom Bomb Wecker mit Vibrationsfunktion ist optimal für schwerhörige Personen, die herkömmliche Wecker nicht mehr aufwecken können. Aber auch für Personen, die einen zu tiefen Schlaf besitzen, eignet sich der Vibrationswecker perfekt. 

Der Preis für den Geemarc Sonic Boom Bomb Wecker beträgt 50,85€. Hörgeräte Preise finden Sie außerdem auch hier.

Dieser Wecker rüttelt Sie aus dem Bett

Das Vibrationskissen ist über ein Kabel an den Wecker angebunden. Es bietet eine starke Vibrationsfunktion und unterstützt damit den Signalton des Weckers. Die optimale Wirkung der Vibrationsfunktion erreichen Sie, indem Sie den Wecker unter das Kissen oder in Ihren Kissenbezug legen. haben Sie die Vibration bei Ihren Wecker eingestellt, wird sich Ihr Bett bewegen und Sie damit wecken. Sollte das alleine nicht ausreichen, unterstützt das extra laute Wecker läuten. Das Vibrationskissen kann auch einzeln nachgekauft werden, wenn es nicht mehr funktionieren sollte.

Falls Ihnen das Kabel zu kurz ist, können Sie auf die Funkversion umsteigen oder alternativ das dazu passende Verlängerungskabel kaufen. Das mitgelieferte Kabel ist 1,95 Meter lang und reicht im Normalfall aus. 

Personen, die den Wecker bereits in Betrieb hatten, zeigten sich vor allem vom starken Vibrationskissen und die lange Lebensdauer des Weckers begeistert. Kunden berichteten auch davon, dass sie der Wecker trotz fast gänzlicher Schwerhörigkeit wecken konnte. Für gewöhnlich zeigten herkömmliche Wecker in dieser Situation keinen Erfolg.

Große Zahlen und gut lesbares Display machen den Wecker einfach bedienbar

Der Wecker ist auch für wenig technikaffine Personen leicht zu bedienen und besticht zusätzlich durch sein elegantes Design in Form einer Bombe. Das Schwarz im Kontrast zum Rot der Ziffern ermöglicht es, die Zahlen am Display der Sonic Boom Bomb klar lesen zu können. Der Wecker steht auch in weiteren kontrastreichen Farben zur Auswahl. Es gibt ihn zusätzlich in Pink, Blau, Türkis und Weinrot. So finden Sie den für dich passenden Sonic Boom Bomb Wecker. 

Die Helligkeit des Displays wird durch einen Schiebeschalter am Display an die eigenen Bedürfnisse angepasst.  Es ist zweistufig dimmbar. So stellen Sie sicher, dass Sie nachts nicht durch das hell leuchtende Zifferblatt des Weckers geweckt werden. Drei eingebaute rote LEDs am Display unterstützen die Weckfunktion. Sie beginnen beim Läuten zu Blinken und erhellen somit den Raum. Der Signalton kann nach Bedarf am seitlichen Drehrädchen eingestellt werden. Es stehen Ihnen drei Signalversionen zur Verfügung. 

Für den Alarm kann entweder nur der Signalton, nur die Vibration oder beides zusammen genutzt werden. 

Sie können zudem zwei verschiedene Weckzeiten einstellen, zum Beispiel, wenn Sie einen in der Früh und einen zu Mittag brauchen. Oder auch wenn Sie und Ihr Partner zu unterschiedlichen Zeiten aufstehen.  Aufgrund seiner handlichen Größe findet der Wecker auch im Handgepäck bequem Platz. Sie müssen den Wecker daher auch nicht im Urlaub oder auf einem Betriebsausflug missen.

Ausfallsichere Weckfunktion und besonders leicht zu bedienen der Sonic Boom Bomb

Der Wecker lässt sich mit wenigen Handgriffen sofort in Betrieb nehmen. Sobald der Wecker mit Strom versorgt ist, können Sie ihn einstellen. Die Tasten und Drehrädchen am Wecker sind übersichtlich angeordnet und beschriftet. Durch ihr Design können Sie sie gut voneinander unterscheiden und einfach bedienen. Die wichtigsten Funktionen sind mit größeren Schaltern ausgestattet. 

Falls der Strom ausfällt oder sich jemand den Spaß erlaubt, den Stecker zu ziehen, ist das auch kein Problem.  Der Sonic Boom Bomb Wecker ist mit einem zusätzlichen Batteriefach optimal für solche Situationen gewappnet. Sie können sich also zu jeder Zeit darauf verlassen, dass Sie zu Ihrer gewünschten Zeit geweckt werden.  Im Notfall übernimmt dann die neun Volt Blockbatterie den Weckdienst. 

Ansonsten betreiben Sie den Sonic Boom Bomb mit dem beigefügten Stromkabel. Der Wecker verfügt auch über eine Schlummerfunktion. Sie können aus einem Intervall von einer bis dreißig Minuten auswählen.  Das ist ganz praktisch, wenn Sie eine unterschiedliche Zeit zum Aufwachen brauchen.

Der Pianist Charles Joseph Smith feiert in einem neuen Video Kameradschaft und Einsamkeit

Der Pianist Charles Joseph Smith feiert in einem neuen Video Kameradschaft und Einsamkeit

Update: Da Charles Joseph Smith aufgrund der Pandemie Einkommen verloren hat (das Fine Arts Building, in dem er Klavierunterricht gibt und als Begleiter arbeitet, ist geschlossen), startete er am 11. April eine GoFundMe-Kampagne , um sich die Lieferung von Lebensmitteln zu leisten .

Der Chicagoer Pianist und Komponist Dr. Charles Joseph Smith hat gerade ein neues Musikvideo für “Flourishing Cities of Undead” veröffentlicht, ein bewegendes Porträt der Isolation, gespickt mit Blicken auf den Nachthimmel über der Innenstadt. Obwohl das Video eine Version des Stücks begleitet, das in seiner Veröffentlichung von Sooper Records aus dem Jahr 2018, War of the Martian Ghosts , erscheint und 2019 im Fine Arts Building gedreht wurde, scheint es maßgeschneidert für das Chicago zu sein, das viele von uns jetzt erleben : ein Raum für uns selbst, in dem wir uns nach Verbindung sehnen.

Smith ist ein versierter Musiker (der “Doktor” stammt von seinem Doktor der Musikkunst, den er 2002 an der Universität von Illinois in Urbana-Champaign erworben hat) sowie ein bekanntes Gesicht im Publikum von Chicagos DIY-Räumen und Outre-Musik Konzerte. Derzeit schreibt er neues Material für ein Album bei Chicago’s Mississippi Records , das auch im Video mitgewirkt hat.

Für das Video arbeitete der Filmemacher Cyrus Moussavi (der Mississippi Records leitet) mit Brittany Nugent (die mit Moussavi im Dokumentarfilmkollektiv Raw Music International zusammenarbeitet) und dem Regisseur Sebastián Pinzón Silva zusammen. Die Choreografie und Bewegung sind jedoch vollständig Smiths Schöpfung.

“Charles und ich haben uns durch den Chicagoer Künstler und Orakel Angel Bat Dawid kennengelernt , der im Video zu sehen ist”, sagt Moussavi. “Angel, ich und unsere Mitarbeiter von Raw Music International haben im letzten Jahr gemeinsam an einem Dokumentarfilm gearbeitet, und Dr. Charles hat in diesem Film einen Cameo-Auftritt gemacht. Angel ist ein großer Fan und Unterstützer von Charles ‘Arbeit und schlug vor, dass wir drehen ein Video für ihn. Charles lud uns in das Fine Arts Building ein, wo er Klavierunterricht gibt, und als wir ankamen, fanden wir diesen schönen Raum, den Sie im Video sehen. Es war diese dunkle Abendzeit, alles war blau, man konnte sehen Der See und das ganze Gefühl und Konzept kamen zusammen, als wir in der Mitte des Raumes standen. “

Das Video zu “Flourishing Cities of Undead” beginnt damit, dass Smith in einem Übungsstudio im Fine Arts Building Klavier spielt und Stühle auf einem Stapel hinter sich stapelt. Ungefähr 30 Sekunden später steht er von der Klavierbank auf und während die Musik ohne ihn weitergeht, beginnt er einen Tanz, der das gesamte ansonsten leere Studio und die Welt hinter seinen Fenstern anspricht. Bat Dawid wird dann Tanzpartner von Smith und reist durch die leeren Gänge des Fine Arts Building. Es fühlt sich an wie eine Traumsequenz, eine Erinnerung an die Zeit, die in Gesellschaft von Freunden verbracht wurde, und es ist erschütternd, wenn das Video in das abgedunkelte Klavierstudio zurückkehrt – Smith tanzt wieder allein, und der Himmel durch die Fenster erinnert an den blauen Bildschirm von Derek Jarmans 1993 Film Blue (selbst eine Antwort auf ein anderes Virus).

April ist National Autism Awareness Month und Smith lebt mit Autismus. Er ist Mitbegründer von Celebration of Joy Incorporated , einer gemeinnützigen Organisation, die Menschen mit Autismus hilft, ihr Leben durch Kunst zu bereichern. Wie er 2017 auf den Alumni-Seiten der Roosevelt University erklärte, wo er 1994 seinen Bachelor of Music erwarb: “Man kann Autismus nicht heilen, und manchmal müssen die Menschen akzeptieren, dass sie ihn haben. Sie können ihn nicht ändern, aber sie können kämpfen.” zurück.” Smith hat im Laufe der Jahre Hunderte von Kompositionen geschrieben und einen Großteil seines Lebens damit verbracht, die Fähigkeiten zu erlernen, um die Musik in seinem Kopf in die Welt zu tragen. Er unterhält eine Bandcamp-Seite , auf der Sie War of the Martian Ghosts und andere aktuelle Aufnahmen finden.

“Eines schönen Tages, wenn sich die Dinge öffnen”, fügt Moussavi hinzu, “empfehle ich Ihnen auch dringend, Charles persönlich nach CDs und Kassetten zu fragen, die er gerade auf sich hat. Das Archiv ist riesig.

Drei Klavierlieder, die Sie während der Quarantäne lernen sollten

Drei Klavierlieder, die Sie während der Quarantäne lernen sollten

Da viele Menschen von zu Hause aus arbeiten, werden wir plötzlich von der Zeit überschwemmt, von der wir nie wussten, dass wir sie hatten, aber trotzdem immer da waren. So unheimlich es auch für viele sein mag, die in einer sich ständig bewegenden und geschäftigen Welt leben, dies ist eine wunderbare Gelegenheit, nachzudenken, Zeit mit der Familie zu verbringen, neue und alte Bücher zu lesen, neue Fernsehserien nachzuholen und sich vielleicht an Serien von zu erinnern alt.

Für mich habe ich diese Zeit damit verbracht, auf meinem Klavier zu lesen, zu schreiben, zu malen, zu spielen und neue Musik zu komponieren. Ich wäre mir nicht sicher, wenn ich nicht anerkennen würde, dass es am lohnendsten und befriedigendsten war, so viel Zeit mit meinem Klavier zu verbringen. Ich hatte mehr Zeit, um alte und neue Musik zu spielen, und habe viel Zeit darauf verwendet, zusätzliche Arrangements von Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowski, Friedrich Chopin, Sergej Rachmaninow, Nikolai Medtner, Ludwig van Beethoven und anderen zu lernen.

Es war herausfordernd und frustrierend, aber so lohnend, dass es schwierig ist, nicht weiterzumachen.

Musik hat eine einzigartige Art, Menschen zu erheben und zu vereinen. Wenn Sie im Haus festsitzen, ist dies der perfekte Zeitpunkt, um die alte Tastatur herauszuziehen oder an Ihrem Klavier zu sitzen und etwas Neues zu lernen (es gibt sogar erschwingliche Tastaturen für etwa 100 US-Dollar, die bei Amazon verkauft werden). Sie könnten sogar Ihre Familie herausfordern, zu lernen, wer am schnellsten lernen kann. In jedem Fall werden Sie es nicht bereuen.

Eines meiner Lieblingsstücke, das ich allen Anfängern und sogar fortgeschrittenen Spielern empfehle, ist Tschaikowskys “Marsch der Holzsoldaten “. Den Anfang dieses Stückes zu lernen macht Spaß und ist nicht sehr lang. Sie könnten es in einer Woche lernen, wenn Sie genug Zeit dafür aufwenden würden. Für diejenigen unter Ihnen, die sich auf FaceTime, Skype oder Zoom für ihre Freunde präsentieren möchten, klingt es komplizierter als es tatsächlich ist, sodass Sie wie ein Virtuose klingen.

Sie haben wahrscheinlich noch nie von Medtner gehört, aber er war ein erstaunlicher Pianist und Komponist, dessen Name bei klassischen Pianisten langsam an Beliebtheit gewinnt. Medtner war eng mit Rachmaninoff befreundet, und nachdem er Russland verlassen hatte, half Rachmaninoff Medtner bei einer Tournee durch die USA und Kanada. Die erste Hälfte der Sonate Reminiscenza a-Moll op. 38, Nr. 1 ist nicht allzu schwierig. Das Fingern kann anfangs etwas schwierig sein, aber es ist nicht unmöglich, und Sie werden es genießen, dieses Ständchen-Thema zu lernen.

Für meine letzte Empfehlung habe ich Giacomo Puccini ausgewählt. Puccini gilt als einer der größten italienischen Opernkomponisten und hat Meisterwerke wie La Boheme komponiert . In Bezug auf das Klavier möchte ich jedoch Puccinis ” Musetta’s Waltz ” empfehlen . Es ist ein perfektes Stück für Anfänger, das Sie genießen werden. Es ist klar, einprägsam und hat einen einfachen Fluss, der es angenehm macht, zu spielen und zuzuhören.

Viele Leute halten klassische Musik normalerweise für langweilig und für die heutige Kultur nicht relevant, aber das ist am weitesten von der Wahrheit entfernt. Sicher, es gibt viele moderne Songs, die man lernen kann, und viele sind überhaupt nicht so herausfordernd, aber klassische Musik hat etwas Schönes, das sie von allen anderen Genres unterscheidet.

Sie können jemand sein, der niemals klassische Musik hört. Tatsächlich bin ich bereit zu wetten, dass die meisten von Ihnen, die dies lesen, fast nie klassische Musik hören, und das ist in Ordnung. Aber von den drei Kompositionen, die ich ausgewählt habe, werden die meisten von Ihnen gerne mindestens eine davon hören oder spielen.

Ich hoffe, dass Sie sich in dieser Zeit der Herausforderung stellen, etwas Neues zu lernen, das Sie immer mitnehmen und an andere weitergeben können. Es tut auch nie weh, Menschen zufällig beeindrucken zu können, wenn Sie ein Klavier sehen, indem Sie ein wenig von dem zeigen, was Sie wissen.

“Es wird nicht alt”: New Freedom Pianist, Komponist veröffentlicht 19. Album

“Es wird nicht alt”: New Freedom Pianist, Komponist veröffentlicht 19. Album

Sie nennt es eine “magische Zeit”.

Gegen 16 Uhr scheint die Sonne durch die teilweise geschlossenen Jalousien, die an den vorderen Fenstern von Robin Spielbergs New Freedom-Haus hängen. Die Lichtstrahlen schürten die feurige Rötung in ihren Haaren.

Unter ihren Fingern bilden sich schwache Schatten, die über den Elfenbeintasten eines Steinway & Sons-Klaviers schweben.

Und wenn ihre Finger anfangen zu spielen – mühelos zwischen Celine Dion, Coldplay und ihren eigenen Originalen zu wechseln – wird klar, dass Spielbergs Hände dem Klavier nicht fremd sind. Sie sind wirklich alte Freunde. 

“Es ist so nah an einer Erfahrung des äußeren Körpers, wie Sie bekommen können”, sagte sie.

Nicht ein- oder zweimal, aber zum 19. Mal hat Spielberg ein Album veröffentlicht. Diesmal ist es ein Album voller Coverversionen populärer Hits – ein Produkt, das ihr Ehemann produziert hat. 

Spielbergs lange Geschichte mit Klavier stammt aus einer Zeit, als sie kaum die Tasten zum Spielen erreichen konnte. Als die meisten Kinder ihren Müttern beim Singen zuhörten, um die Worte zu lernen, verfolgte Spielberg einen anderen Ansatz.

Sie benutzte die Melodie in der Stimme ihrer Mutter als Leitfaden, streckte eine Hand über ihren Kopf, um die Tasten der hölzernen Magnus-Akkordorgel ihrer Familie zu berühren, und spielte mit.

Spielberg hat immer noch diese Holzorgel, die am besten als Akkordeon-, Klavier- und Orgelhybride beschrieben werden kann. Die Orgel gibt ein leises Summen von sich, während sie sie wie die Klangkontrolle einsteckt und sich darauf vorbereitet, gespielt zu werden.  

Als sie 7 Jahre alt war, war Spielberg in ihrer ersten Klavierstunde und heute erinnert sie sich noch an die Lieder, die sie während dieser Einführungszeit gespielt hat. 

Finden Sie Ihr Publikum

Spielberg hat Muskelgedächtnis, wenn es um Musik geht.

“Ich weiß nicht, wie du es vergessen könntest”, sagt sie, während sie von Lied zu Lied springt und Klänge von Vergangenheit und Gegenwart spielt. 

Während ihres Aufenthalts in New York spielte sie über 10 Jahre lang Klavier in gehobenen Hotellobbys – einem von Männern dominierten Bereich. Und wenn jemand eine Anfrage hatte, hat es Ihnen gut getan, die Musik von oben zu kennen. 

Spielberg gibt seit 1996 Konzertauftritte und ihre Musik ist in asiatischen Ländern beliebt, die ihre Musik in Fernsehshows gezeigt haben. Sie war sogar dreimal in Südkorea und hat im vergangenen Juli China besucht. 

Die Konzertsäle in Übersee sind sehr groß, sagt sie, aber in jeder Umgebung, in der sie auftritt, möchte sie, dass [das Publikum] mit der Show davonschwebt. 

Spielberg sagt, dass Musik heutzutage so viele Plattformen hat, dass Streaming und Globalisierung einfach sind, aber es kann schwieriger sein, einen Platz zu finden, da die Welt so voll von Musik ist. 

Und Künstler müssen auch die verkürzte Aufmerksamkeitsspanne der meisten Menschen berücksichtigen. 

Spielberg veröffentlichte  am 7. Februar ihr 19. Album “Love Story” . Zum ersten Mal veröffentlichte sie ihre Musik sowohl auf einer CD als auch auf einer Vinyl-CD.

„Es wird nicht alt… es fühlt sich so an, als wäre es dein neues Baby. Man wird sehr emotional daran gebunden “, sagte Spielberg. 

Innerhalb einer Woche nach seiner Veröffentlichung war das Album in Spotifys Crossover Classical Charts. Spotify hat sogar eine “Robin Spielberg Spotify Playlist” erstellt. Das leuchtend rote Vinyl enthält 10 Titel, fünf auf jeder Seite, und es wird mit einem Download für sechs weitere Songs geliefert.

Zufälligerweise wurde das Album im selben Jahr veröffentlicht, in dem Spielberg ihren 20. Hochzeitstag mit ihrem Ehemann feiert, der sie seit über 15 Jahren verwaltet.

Einheimische aus Zentral-Pennsylvania finden möglicherweise auch das Cover ihres Albums bekannt. Spielberg posierte vor der Hanover Junction in einem knallroten Kleid, das in China hergestellt wurde. 

Coronavirus bewegt sich zeigen

Spielberg sollte am 28. März in York für Jimmy Webb eröffnet werden, mit dem sie seit fünf Jahren auf Tour ist, aber wegen der neuartigen Coronavirus-Pandemie wurde es verschoben.

Der Lincoln-Pianist Paul Barnes tritt für ein internationales Publikum auf

Der Lincoln-Pianist Paul Barnes tritt für ein internationales Publikum auf

Im März sollte Paul Barnes die kanadische Premiere von „Annunciation“ präsentieren, dem ersten Klavierquintett des renommierten Komponisten Philip Glass.

Im Mai sollte er „Verkündigung“ in Südkorea und Chicago und im Juni in Griechenland aufgeführt haben.

Diese Aufführungen wurden jedoch wegen der Coronavirus-Pandemie verschoben, so dass Barnes in seinem Haus in Lincoln zurückblieb.

Aber Barnes wird in diesem Frühjahr noch eine Version von „Annunciation“ einem internationalen Publikum vorstellen, wenn er die Klaviertranskription des Quintetts am Freitag während seines „Lied Live Online“ -Konzerts aufführt, das für 19:30 Uhr geplant ist und weiter gestreamt wird die Facebook-Seite des Lied Center for Performing Arts.

“Ich werde in meinem Wohnzimmer spielen und dennoch werde ich dieses riesige Publikum haben, das ich nicht sehen kann”, sagte Barnes. “Meine Legion von Glasfans aus der ganzen Welt wird zuschauen.”

Barnes wird den ersten Satz des Quintetts spielen, den er kürzlich transkribiert hat, und die Komposition für ein Streichquartett und ein Klavier in ein Solo-Klavierstück verwandeln.

“Ich muss die Streicherstimmen nehmen und sie in den bereits schwierigen Klavierpart integrieren”, sagte er.

Musikalische Transkription ist kein neues Konzept. Es reicht bis in die frühen 1800er Jahre zurück und die Musik von Franz Liszt, einem der musikalischen Helden von Barnes.

“Er war ein Meistertranskribent”, sagte Barnes. “Transkription war die Art und Weise, wie viele Symphonien zum ersten Mal gehört wurden, als es keine Orchester gab, die sie spielten.”

Um „Verkündigung“ zu eröffnen, wird Barnes, der Hauptgesang der griechisch-orthodoxen Verkündigungskirche in Lincoln, die griechisch-orthodoxe Hymne singen, auf der das Stück basiert.

Er wird vom Cornhusker Digital Byzantine Choir begleitet, einer Gruppe orthodoxer Mönche, deren Gesang über einen Bluetooth-Lautsprecher auf Barnes ‘Steinway zu hören ist. 

“Es klingt wirklich toll”, sagte Barnes. „Ich könnte dies tatsächlich in meine Live-Performance einbeziehen. Diese Jungs sind immer in der richtigen Stimmung und geben mir keinen Flak. “

“Verkündigung” wird eines von drei Stücken sein, die Barnes am Freitag uraufführen wird. Alle drei basieren auf griechisch-orthodoxen Gesängen.

Er wird auch David von Kampens “Trisagion” und Rev. Ivan Moodys “Spring” aufführen. Der Lincoln-Komponist von Kampen hat zwei griechisch-orthodoxe Gesänge in das Stück aufgenommen, dessen offizielles Debüt im Oktober in der Kimball Hall für die Nebraska Music Teachers Association geplant ist, die das Stück in Auftrag gegeben hat.

Moody, ein in Großbritannien geborener Komponist und orthodoxer Priester, der in Portugal lebt, rief an und sagte, er habe ein Stück für Barnes geschrieben. Obwohl es kurz ist – ungefähr 2½ Minuten – war Barnes davon fasziniert.

Während Barnes noch nie ein Konzert von zu Hause aus gemacht hat, hat er im letzten Monat etwas Übung im Online-Spielen, während er seine Studenten an der Universität von Nebraska-Lincoln unterrichtet.

“Es ist nicht ideal”, sagte Barnes über seine Zeit als Lehrer. „Klavier ist, wie Sie herausfinden können, sehr viszeral. Ich würde gerne Seite an Seite dabei sein und die Körperhaltung und ähnliches anpassen. Und der Sound ist nicht immer perfekt. Aber als vorübergehende Notlösung funktioniert es gut. Ich hoffe, wir müssen im Herbst nicht darauf zurückkommen. “

Was seine Leistung über die Premieren hinaus betrifft, so wird es kein typisches Konzert oder Konzert sein. Barnes nimmt Anfragen des Online-Publikums entgegen und bietet die Möglichkeit, alles zu hören, was er in den letzten 25 Jahren aufgenommen hat.

“Es ist eine Menge Musik”, sagte Barnes. „Ich werde keine Zeit haben, alles zu spielen. Ich werde dem internationalen Publikum Priorität einräumen. Sie bleiben die ganze Nacht wach, also spiele ich, was sie zuerst hören wollen. “

Zu den Stücken, die sicherlich Teil des Freitagsprogramms sein werden, gehören: “The Land”, der dritte Satz von Glass ‘”Klavierkonzert Nr. 2 (Nach Lewis und Clark)”, eine Auswahl aus Glass’ Opern “Akhnaten”, “Satyagraha” und “Orphee” und Stücke, die die Komponistin Victoria Bond und der einheimische Flötist Ron Warren für Barnes geschrieben haben.

Außerdem werden Barnes und seine Frau April ein Duett auf Gabriel Faures „Pavanne“ spielen.

Diese Stücke, die Aufträge und die Möglichkeit, eine mehr als zwei Jahrzehnte alte Glass-Transkription spielen zu müssen, haben Barnes in den letzten Wochen ans Klavier geklebt.

Nicht, dass es ihm etwas ausmacht.

“Solange wir ein anständiges Klavier haben, sind wir Pianisten glücklich, isoliert zu sein”, sagte Barnes. „Wir haben Zeit zu üben und neues Material zu lernen. Es wird Spaß machen, wieder Musik mit einem Publikum zu teilen. “

Das siebenjährige griechische Klavierwunder komponiert „Isolationswalzer“

Das siebenjährige griechische Klavierwunder komponiert „Isolationswalzer“

Stelios Kerasidis, der 7-jährige griechische Pianist und Komponist, der mit seinem Talent die ganze Welt verblüfft hat, hat jetzt ein neues Werk mit dem Titel „Isolation Waltz“ komponiert, das von der Coronavirus-Pandemie inspiriert ist.

Die Komposition ist ein bewegendes Musikstück, das allen Menschen gewidmet ist, die weltweit unter der Krankheit gelitten haben oder weiterhin leiden, sowie allen, die gezwungen sind, isoliert zu Hause zu bleiben.

Das Piano Wonder Child, das im Alter von fünf Jahren in der Öffentlichkeit auftrat – und im Alter von sechs Jahren in der Carnegie Hall auftrat –  komponiert seit über einem Jahr seine eigene Musik, was von der Kritik hoch gelobt wird.

Am 31. Oktober 2018 gewann Kerasidis nach einer großartigen Aufführung in der New Yorker Weill Recital Hall den ersten Preis bei der Liste der eingeladenen Gewinner der Golden Classical Music Awards 2018. Er spielte einen Chopin-Walzer für sein Publikum und seine Richter und wurde der jüngste griechische Musiker aller Zeiten, der in der Carnegie Hall spielte .

Das griechische Wunderkind hatte bereits im Alter von fünf Jahren einen Preis gewonnen, als er beim internationalen Klavierwettbewerb „Citta di Spoleto“ in Italien den ersten Preis erhielt.

Der junge Stelios begann mit drei Jahren Klavier zu spielen, als er die erste offizielle Lektion von seinem Pianistenvater erhielt, der auch Musiklehrer ist. Es dauerte nicht lange, bis das Talent des Jungen von seinen Lehrern und der Musikwelt im Allgemeinen erkannt wurde.

Bisher trat er auch in der Royal Albert Hall in London und im Wiener Musikverein auf und spielte mit dem Athener Sinfonietta-Orchester.

Kerasidis wurde dem griechischen Publikum nach seiner Teilnahme an der Fernsehsendung „Greece You Got Talent“ bekannt, in der er sowohl die Richter als auch das Publikum verblüffte.

Seitdem hat eine ganze Nation den Fortschritt des Wunderkindes verfolgt und sich über sein enormes Talent gewundert. Jetzt, in einem der schwierigsten Momente der jüngeren Geschichte für die ganze Welt, ist sein „Isolation Waltz“ ein düsterer Soundtrack, der der Zeit sehr angemessen ist.

Die Geschichte von Louise Farrenc ist eine der bemerkenswertesten in der Geschichte der klassischen Musik

Die Geschichte von Louise Farrenc ist eine der bemerkenswertesten in der Geschichte der klassischen Musik

Wir werfen ein Licht auf eine der brillantesten Frauen des 19. Jahrhunderts, die französische Komponistin und Pianistin Louise Farrenc. Die Maestro aus dem 19. Jahrhundert kämpfte um Gleichberechtigung und war bestrebt, sie morgen besser als heute zu machen.

Wer war Louise Farrenc?

Louise Farrenc war eine französische Komponistin, Pianistin und Lehrerin, über die jeder Bescheid wissen muss. Sie wurde 1804 in eine durch und durch böhmische Familie in Paris geboren und wuchs umgeben von Bildhauern, Malern und künstlerischen Frauen auf. Schon in jungen Jahren studierte sie Klavier. Ihre Talente wurden von Clementi und Hummel aufgegriffen und gefördert. Nachdem sie sich für das Komponieren interessiert hatte, bewarb sie sich im Alter von 15 Jahren für das renommierte Pariser Konservatorium.

Sie wurde Professorin am Pariser Konservatorium

Nach Abschluss ihres Studiums begann Farrenc ihre Karriere als Konzertpianistin und wurde in den 1830er Jahren ziemlich berühmt. 1842 wurde sie die einzige Frau, die im 19. Jahrhundert zum Professor am Pariser Konservatorium ernannt wurde – die einzige derartige Ernennung für eine Frau für das gesamte 19. Jahrhundert. Sie blieb 30 Jahre am Konservatorium und wurde in dieser Zeit eine der größten Klavierprofessoren in Europa.Und ihre Musik war außergewöhnlich

Obwohl Louise Farrenc nicht das beliebte Profil ihrer männlichen Komponisten hatte, gab sie das Schreiben von Musik nie auf. Sie schrieb Orchestersinfonien und Ouvertüren (von denen Hector Berlioz ein großer Fan war). Aber es war ihre Kammermusik, die den größten Einfluss hatte, und ihre beiden Klavierquintette wurden von den Pariser Kritikern besonders geschätzt. Sie gewann den Chartierpreis 1861 und 1869.

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Sie kämpfte um Gleichheit

Und sie hat gewonnen. Obwohl sie all diese gefeierte Musik schrieb, wurde Farrenc weit weniger bezahlt als die männlichen Professoren am Konservatorium. Sie wollte dies ändern und protestierte oft bei den Behörden, um fast ein Jahrzehnt lang Gleichberechtigung zu erreichen. Sie ließ auch ihre Musik sprechen, und nach der sehr erfolgreichen Premiere ihres Nonets forderte sie erneut das gleiche Spiel wie ihre männlichen Kollegen, und es wurde gewährt. Geh sie.

Warum wir sie lieben

Virtuose, Performer, Komponist und Gleichstellungskämpfer. Als Komponistin bekam sie nie die populäre Anerkennung, die sie zu Lebzeiten verdient hatte, aber sie schrieb weiter ihre Musik und kämpfte für Fairness. Was für eine Legende.

Der in Großbritannien lebende Künstler Joe Alexander Shepherd teilt seine neue Single „Lost“, ein mitreißendes und emotionales Stück, das Joes Fähigkeiten als ausdrucksstarker Pianist und als geschickter Komponist demonstriert Es ist eine großartige Folge bis zur Veröffentlichung von „We Rise“, einem bewegenden Stück, das der Filmemacher Oliver Astrologo für das Kurzvideo Italia geschrieben hat, und einem Liebesbrief an ein Land, das von Covid19 stark betroffen war19 Virus.

Als Absolvent der von Paul McCartney anerkannten Musikakademie in Liverpool komponiert und spielt Shepherd komplizierte, minimalistische zeitgenössisch-klassische Musik im Stil von Ludovico Einaudi, Michael Nyman, DustinO’Halloran und darüber hinaus. Shepherd schreibt und komponiert seit seinem 15. Lebensjahr Musik und mischt moderne zeitgenössische Klassik mit subtilen Akzenten atmosphärischer Melancholie. Piano war schon immer das Herzstück seiner Songs und fügte seine eigene einzigartige Wendung mit texturellen Synthesizern hinzu, um die simplen Melodien zum Leben zu erwecken. Als gefragter Komponist hat Shepherd Musik für UEFA, Rugby Football Union (RFU), BBC1, BBC2 und Land Rover komponiert, um nur einige zu nennen. Seine erste EP Time erschien 2018 auf Nettwerk. Joe Alexander Shepherd arbeitet derzeit im Studio an neuem Material.

Übersicht über neue Fokusaufnahmen

Übersicht über neue Fokusaufnahmen

New Focus Recordings ist ein von Künstlern geführtes Kollektivlabel, das Veröffentlichungen in zeitgenössischer kreativer Musik mit vielen Streifen sowie neue Ansätze für älteres Repertoire bietet. Das Label wurde 2004 von Gitarrist Dan Lippel, Komponist / Ingenieur / Produzent Ryan Streber und Komponist Peter Gilbert gegründet, um die ersten fünf Alben des Katalogs zu produzieren. Viele der folgenden Veröffentlichungen in diesen ersten Jahren fanden mit Künstlern statt, die auch heute noch ihre Musik mit dem Label veröffentlichen – darunter die Pianistin Jacob Greenberg, die Flötistin Claire Chase, die Cellistin Kivie-Cahn Lipman und die Sopranistin Tony Arnold. Komponist / Percussionist Nathan Davis, Komponist / Performer Du Yun und Komponist / Pianist Phyllis Chen, zusammen mit anderen Mitgliedern der ICE-Community und Mitgliedern des neuen Musikquartetts Flexible Music, Der Pianist Eric Huebner und der Schlagzeuger Haruka Fujii veröffentlichten zusammen mit mehreren Kollegen der Gruppe (darunter John Link, Steve Ricks, Jeff Irving, David Laganella, Adam Silverman, Antares, Orianna Webb, Erin Lesser und Mikel Kuehn) Aufnahmen oder erschien als Gäste auf anderen. In den ersten Jahren von New Focus teilten diese Musiker ihre Kunst mit fantastischen Aufnahmen, die die Richtung des New Focus-Katalogs bestimmten und den Grundstein für das Label legten.

In den letzten Jahren haben wir einige neue Focus-Veröffentlichungen rezensiert – alle Rezensionen stammen von Dan Barbiero. Sie sind unten versammelt.

Zosha Di Castri – Tachitipo (2019)

Tachitipo, eine Reihe von fünf Werken, die zwischen 2010 und 2017 komponiert wurden, ist die erste monografische Aufnahme des Komponisten Zosha Di Castri. Di Castri stammt aus Calgary, Alberta in Kanada, ist in New York ansässig und studiert an der Columbia University. Er begann seine Komposition im Rahmen des Young Composers-Programms des Alberta Symphony Orchestra in Edmonton und erhielt das doppelte Hauptfach Komposition und Aufführung. Di Castri ist sowohl Pianist als auch Komponist und benutzt manchmal die Improvisation, um kompositorische Ideen zu entwickeln.

Die Stücke auf Tachitipo demonstrieren die Vielseitigkeit von Di Castri beim Komponieren für verschiedene Instrumentengruppen; Mit dabei sind Werke für Kammerensembles und kleines Orchester, ein Streichquartett, ein Solo-Klavierwerk sowie ein Stück für Stimme und Elektronik. Die Stücke für Orchester und gemischte Kammerensembles zeigen Di Castris Begabung für den Umgang mit Kontrasten und Ähnlichkeiten von Instrumentenkompass und Farbe. In einem kürzlichen Interview nannte sie Debussy einen frühen Einfluss. Die Bedeutung von Timbral-Beziehungen in ihrer Musik scheint die fortdauernde Bedeutung seines Beispiels zu unterstreichen.

Cortège, der 2010 für das Acanthes Festival in Metz, Frankreich, komponiert wurde, wird für ein dreizehnköpfiges Orchester eingespielt. Das Stück, das hier vom Talea Ensemble gespielt wird, beschäftigt sich mit Kontrasten: dunkel und hell, hell und schwer, während gedämpfte Trommeln gegen die Stimmen von Flöte und Klarinette gespielt werden und die Stimmung zwischen komprimierter, nervöser Energie und Melancholie wechselt Mattigkeit. Forma dello spazio, ebenfalls aus dem Jahr 2010, ist ein Quintett für Flöte, Klarinette, Klavier, Violine und Cello, das vom Banff Center in Auftrag gegeben und hier von Mitgliedern des Fine International Contemporary Ensemble realisiert wurde. Das Stück wurde von mobilen Skulpturen inspiriert und scheint etwas von ihrer Bewegung festzuhalten: Das Hin- und Herschwingen von Violine und Klavier sowie die ansteigenden und abfallenden Wellen auf der Klarinette sorgen für eine Bewegung über den manchmal expliziten und manchmal impliziten Sog schwebender Töne.

Das Streichquartett Nr. 1 von Di Castri, das 2016 komponiert wurde, wurde erstmals von den zehn Finalisten des Internationalen Streichquartett-Wettbewerbs des Banff Centre in diesem Jahr gespielt. Das Stück, das das JACK Quartet tatkräftig auf dieser Aufnahme spielt, beginnt mit einem diskordanten Schwung und reitet auf einer Reihe von Wellen und Rückzügen – von Dynamik, von schnellen und langsamen Glissandi, von beunruhigenden Harmonischen. Eine subtile rhythmische Kohärenz zieht sich durch und bindet dieses ansonsten episodische Werk zusammen.

Weitere Stücke auf Tachitipo sind der von mechanischen Schreibmaschinen inspirierte lange Titeltrack von 2016 für zwei Klaviere und zwei Schlagzeuger, gespielt vom unvergleichlichen Yarn / Wire; 2017’s Dux, ein Solo-Klavierstück von Julia Den Boer; und das Gesangs- und Elektronikwerk The Animal After Whom Other Animals Are Named (2013), ein Auftrag des Canada Council for the Arts, der hier von Ekmeles durchgeführt wurde.

Daniel Lippel – Gespiegelte Räume (2019)

Vom Gitarristen Daniel Lippel kommt ein Zwei-CD-Set mit einer großzügigen Sammlung neuerer Arbeiten für den Solo-Gitarristen. Auf der Aufnahme spielt Lippel, ein Virtuose, der sich auf das zeitgenössische Repertoire für Gitarre spezialisiert hat, sowohl klassische Nylonsaitengitarre als auch E-Gitarre, konventionell und mit erweiterter Technik, mit und ohne elektronische Verstärkung. Unabhängig von der Besetzung der Instrumente oder des musikalischen Umfelds sind Lippels Darbietungen von charakteristischer Geschicklichkeit und Sicherheit geprägt.

Ein dominantes Thema bei Mirrored Spaces ist die Verwendung alternativer Stimmungen und Mikrotonalität. Das Titelwerk, eine sechsteilige Suite, die von Lippel und Orianna Webb in den Jahren 2006-2008 zusammen komponiert wurde, basiert auf der Vierteltonstimmung. Die Viertelton-Diskrepanzen erzeugen einen wackeligen Choreffekt, der Teilen der Suite ein seltsam instabiles Gefühl verleiht. Andere Parts klingen eher konventionell, wenn auch schön abenteuerlich, klassisches Gitarrenspiel.

Ryan Strebers Descent für Scordatura-E-Gitarre und zwei Verstärker war ebenfalls eine kollaborative Komposition. Das Stück, das die vier tiefsten Saiten der Gitarre von der Standardstimmung der Quinten bis zur Quintenstimmung des Cellos verstimmt, hat als zentralen Punkt die subtile Unvereinbarkeit, eine E-Gitarre mit klassischer Technik spielen zu lassen. Das Stück senkt sich langsam von den oberen zu den unteren Registern des Instruments und verleiht ihm dabei einen zunehmend übersteuerten, verzerrten Klang.

Weitere Stücke, die alternative Stimmungen untersuchen, sind Christopher Baileys Arc of Infinity, ein facettenreiches Werk für Gitarre und drei Ebenen elektronischer Klänge, die Obertöne in der Standardstimmung verwenden, um Harmonien in Just Intonation zu erzeugen, und Lippels eigenes Scaffold, das drei Gitarren mit drei verschiedenen verwendet Stimmungen.

Erweiterte Techniken sind für viele dieser Darbietungen mehr oder weniger selbstverständlich, aber sie treten besonders bei From Scratch in den Vordergrund, einem elektroakustischen Werk von Sergio Kafejian aus dem Jahr 2017, das seine Sprünge und fragmentarischen Phrasen in aggressiven, perkussiven Gesten umhüllt. Schnur kratzen, Pizzicato schnappen und hinter der Brücke zupfen.

Kein kurzer Rückblick kann der Vielfalt der Musik in dieser Sammlung gerecht werden. Man kann nur sagen: Hör zu.

David Bowlin – Vogel als Prophet (2019)

Der Geigenvirtuose ist seit Jahrhunderten eine wichtige Figur in der westlichen Kunstmusik. Im Laufe dieser Jahrhunderte hat sich die Natur der Virtuosität weiterentwickelt, zusammen mit den Techniken, die erforderlich sind, um dies zu erreichen. Was ein 21 st Jahrhundert Geigenvirtuose klingt wie ist auf dem Display auf David Bowlin Bird als Prophet.

Bowlin, Director of String Studies am Oberlin Conservatory of Music, ist ein erfahrener Interpret neuer Musik und Gründungsmitglied des International Contemporary Ensemble, einer der angesehensten neuen Musikgruppen der Welt. Die Arbeiten über Vogel als Prophet bringen sowohl seine Vielseitigkeit als auch seine Lyrik gleichermaßen zur Geltung.

Mario Davidovskys Synchronism (1988) für Violine und Tonband ergänzt mit diskreten elektronischen Klängen den zentralen Fokus auf die Violine. Während letzteres tatsächlich mit dem Band synchronisiert ist, könnte es als Beispiel für die spätmoderne Virtuosität für sich selbst stehen: eine technische Herausforderung, die in einem leicht fragmentierten Bogen von Doppelstopps, schnellen Anstiegen in das extreme obere Register und Stimmungsschwankungen gespielt wird. introspektive Zwischenspiele.

Under a Tree, ein Udātta (2016) von Du Yun, ist wie Bowlin, Gründer von ICE, ein weiteres Stück für Fixed Media und Violine. Under a Tree ist auf einer Aufnahme des vedischen Gesangs verankert, die eine unnachgiebige rhythmische Drohne für die Violine zum Spielen aufbaut. Bowlins Line, die etwas von der Lockerheit einer Improvisation hat, ist eine eklektische Mischung aus ragaähnlichen mikrotonalen Stößen, perkussiven Schlägen und lang anhaltenden, weithin vibrierenden Tönen. Was das Stück teilweise zu sagen scheint, ist, dass zeitgenössische Virtuosität nicht nur eine Frage der technischen Meisterschaft ist, sondern auch der Begegnung mit verschiedenen musikalischen Traditionen.

Bleu (2011), eine Komposition für Violine solo, ist ein ausgereiftes Werk, das der verstorbene George Walker mit fast 90 Jahren für seinen Sohn Gregory geschrieben hat. Bowlin spielt es mit großer Gefühlstiefe, ebenso wie Martin Bresnicks Bird as Prophet (1999), ein Stück für Violine und Klavier (Tony Cho).

Bowlin hat zuvor die Musik von Alexandra Karasyoanova-Hermentin interpretiert, einer in Moskau geborenen Komponistin / Pianistin mit russisch-bulgarischem Hintergrund, die derzeit in Österreich lebt. 2007 hatte er ihr Violinkonzert Mahagoni uraufgeführt, das sie für ihn geschrieben hatte. Hier steuert sie zwei Stücke für kleine Kammerensembles bei. Kastena (2003) für Violine und Cello, das letztere Stück von Katinka Kleijn vom ICE, ist ein spannungsgeladenes Werk, bei dem eine energiegeladene Violinstimme über einer Cello-Performance schwebt, die zwischen Drohnen und abrupten, perkussiven Interventionen wechselt. Mari Mamo (2009), ein Trio-Werk für Violine, Flöte (Conor Nelson) und Schlagzeug (Ayano Kataoka), konstruiert Melodien aus diskontinuierlichen Klangfarben und spielt fruchtbar mit dem Kontrast zwischen Stakkato-Flöte und gestimmtem Schlagzeug auf der einen Seite und lang , schwebende Geigenklänge auf dem anderen.

Ben Melsky / Ensemble Dal Niente – s / t (2019)

Die Harfe ist eines jener Instrumente, deren außerordentliche Vielseitigkeit sie für musikalische Experimente gut geeignet macht. Berios 1963er Sequenza II für Solo-Harfe zeigte, wie reich die klanglichen Ressourcen des Instruments sind, da sie bereit sind, die Technik über das Konventionelle hinaus zu erweitern. Die neuen und jüngsten Arbeiten zum selbstbetitelten Album des Harfenisten Ben Melsky setzen diese ausgesprochen untraditionelle Tradition fort.

Melsky ist auf moderne und zeitgenössische Musik für die Harfe spezialisiert und hat ein besonderes Interesse daran, das Repertoire herausfordernder neuer Kompositionen für das Instrument zu erweitern. Auf diesem Album haben ihn Mitglieder des zeitgenössischen Kammerensembles Dal Niente begleitet, dessen Executive Director er ist und dessen Harfenist er ist. Es ist ganz einfach eine schöne Aufnahme, die es schafft, gleichzeitig sinnlich und zerebral zu sein.

So unterschiedlich die einzelnen Stücke des Albums auch sind, es gibt ein paar Merkmale, die sich während der gesamten Aufnahme wiederholen: ein grundlegendes Interesse daran, das Timbre über die Tonhöhe zu stellen, im Allgemeinen durch die Verwendung erweiterter Technik und einfallsreicher Instrumentenpaarungen; und aufgeräumte Texturen, die oft aus diskreten Klangereignissen bestehen.

Mit Ausnahme von Tomás Gueglios zweiteiligem After L’Addio / Felt (2014) für Solo-Harfe sind alle Kompositionen für Harfe im Duett. Nachdem L’Addio ein Continuo von rauen, kratzenden Geräuschen unter Glissandi und einzeln gezupften Noten platziert hat; Der passend betitelte Filz filtert eine gemessene Folge von atonalen Noten und Harmonischen durch den auf das Instrument angewendeten Filz. Während L’Addio / Felt allein für die Harfe durch erweiterte Technik Kontraste in der Timbraltechnik herstellt, werden in den anderen Werken die timbralen Implikationen verschiedener instrumentaler Paarungen untersucht. Die Formulierung in Alican Çamcı der Perde für Bassflöte und Harfe (2014) basiert auf den Rhythmen eines 15 thJahrhundert persisches Gedicht; Die resonante, stimmliche Qualität der Linie wird durch das Singen und Sprechen der Bassflötistin Emma Hospelhorn unterstrichen, während Melsky für Stakkato-Interpunktion und Akzente sorgt. On-dit (2014) von Eliza Brown passt auch Stimme zu Harfe; Die Sopranistin Amanda DeBoer Bartlett singt, flüstert und unterhält Noten über die fragmentarischeren Interventionen der Harfe.

Mobile 2015: Satirise, ein offenes Werk von Frederick Gifford, wurde für eine inspirierte Kombination aus Harfe und Gitarre (gespielt von Jesse Langen) geschrieben, zwei Instrumente mit ähnlichen Timbral-Profilen. Es ist eine Ähnlichkeit, die paradoxerweise ihre Unterschiede dramatisiert, weil sie nicht identisch sind. Die Mikrotonalität des Stücks fügt einen weiteren subtilen Grad der Trennung zwischen den beiden hinzu. Igor Santos ‘Anima für Harfe und Percussion aus dem Jahr 2019 lässt die Percussionisten Kyle Flens und Melsky auf stacheligen, zusammengesetzten Timbres zusammenlaufen, während Wang Lus After einige Bemerkungen von CW zu seiner Arbeit (2018) für Harfe und Klarinette die Klarinette von Katie Schoepflin in großen offenen Räumen und Multiphonics mischt und Harfenharmonische in einer Folge von Klanginseln unheimlicher, zusammengesetzter Klangfarben.

Louis Karchin – Dunkle Berge / Fernlichter (2019)

In der Liner Note zu Dark Mountains / Distant Lights, einem Album mit sieben neuen und jüngsten Kompositionen, beschreibt Louis Karchin eines der Stücke als inspiriert von der Fähigkeit der Lyrik, die Stimmungen und emotionalen Zustände einer individuellen Sensibilität zu vermitteln. Tatsächlich sind viele der anderen Werke der Sammlung nicht nur in dem Sinne lyrisch, wie Karchin es beschreibt, sondern auch im ursprünglichen Sinne von etwas, das gesungen werden soll. Dies sollte nicht überraschen, da Karchin eine beträchtliche Menge an Vokalmusik geschrieben hat, einschließlich der Oper Jane Eyre.

Ausgangspunkt für Karchins musikalisches Vokabular ist die pitchorientierte serielle und postserielle Komposition des letzten Jahrhunderts. Seine Linien tendieren in Richtung komplex und hoch chromatisch und zeichnen sich durch plötzliche Wendungen und taumelnde Sprünge und Stürze aus. Dies ist der Fall bei Rhapsody (2005/2011), einem Werk für Violine und Klavier, das eine tonal gewundene, registerübergreifende Violinenlinie aufweist. Trotzdem hat die Linie eine Kontinuität und Phrasierung, die an die menschliche Stimme erinnern, und es ist nicht schwer, sie sich als Arie für Sopran vorzustellen. Es ist ein virtuoses Stück, das von der Geigerin Miranda Cuckson und dem Pianisten Steven Beck atemberaubend gespielt wird.

Zusätzlich zu ihrem beeindruckenden Auftritt beim äußerst schönen Prayer (2004) für Solovioline hat Cuckson zwei Duette mit der Oboistin Jacqueline Leclair: 2016’s Dreamscape und 2017’s Reflections. Beide sind herausfordernde Werke, die erweiterte Techniken integrieren – Multiphonics für Oboe, unorthodoxe Bogen für Violine – mit eher konventionell gespielten, aber immer noch anspruchsvollen Passagen. Karchins Entscheidung, Oboe und Violine zu paaren, deren Klangfarben in den unteren Registern kontrastieren, aber in den oberen Registern zusammenlaufen, ist inspiriert.

Lyrics II (2014) – das Stück, auf das sich Karchin in der Liner Note bezog – ist eine zweiteilige Komposition für Soloklavier, die tatsächlich den dynamischen Bogen emotionaler Zyklen hervorruft.

Musiker von soundSCAPE – After the End (2019)

Ganz vorne dabei: Die Musik von After the End, die drei neue und aktuelle Kammermusikwerke der drei zeitgenössischen Komponisten Jesse Jones (* 1978), Ricardo Zohn-Muldoon (* 1962) und Carlos Sanchez präsentiert -Gutierrez (* 1964) ist von raffinierter Schönheit.

Alle drei Kompositionen werden von kleinen Gruppen aufgeführt, die aus der Fakultät des soundSCAPE summer Festival of Contemporary Music stammen, einer Institution, mit der die drei Komponisten in den letzten Jahren in verschiedenen Funktionen verbunden waren. Angesichts dieser Geschichte ist es nicht verwunderlich, dass die Performer – der Sopranist Tony Arnold; Flötistin Lisa Cella; Geiger Mark Fewer; Schlagzeuger Aiyun Huang; und der Pianist Thomas Rosenkranz scheinen ein besonders gutes Verhältnis zu der Arbeit zu haben. Ihre Verwirklichung dieser manchmal verdünnten, offen strukturierten Musik ist fein ausbalanciert und äußerst sinnlich.

Jesse Jones ‘After the End (2017), das von soundSCAPE in Auftrag gegeben wurde, vertont einen Text von Jonathan Brent Butler für Sopran, Schlagzeug und Klavier. Jones beschreibt den Text als pessimistisch – es ist immerhin nach dem Ende der Welt – aber gleichzeitig hält er das Versprechen der Erneuerung. Die Vokallinie ist eindringlich, aber nicht verzweifelt. Sie geht mit einem gemessenen Tempo vor sich, das von Pausen unterbrochen wird. Die Begleitung schimmert in leicht diskordanten, abwärts gerichteten Kaskaden von Piano und Vibes.

Flores de Viento III (1990, überarbeitet 2013) ist eine Arbeit in sieben Teilen des in Guadalajara geborenen Ricardo Zohn-Muldoon. Die Komposition ist für Sopran, Violine, Flöte / Piccolo und Schlagzeug ausgelegt und enthält eine Reihe von Gedichten, die größtenteils von der Schwester des Komponisten Laura Zohn-Muldoon stammen und auf dem mesoamerikanischen Mythos der gefiederten Schlange Quetzalcóatl basieren. Zohn-Muldoon konstruiert die Musik aus prägnanten, atonalen melodischen Motiven, die er variiert und als markante Farbtupfer instrumentiert. Indem er das Ensemble in ständig wechselnde Gruppen von Solo-, Duo-, Trio- und Quartettstimmen aufteilt, schöpft er das Timbral-Potenzial der Gruppe voll aus. Die Vielfalt der von ihm verwendeten Percussion-Instrumente – Vibes, Marimba, Crotales, Gong, Congas, Maracas und mehr – trägt wesentlich zur Fülle der Texturen des Stücks bei.

Die Kikai no Mori / Chance Forest Interludes (2015) des Mexikaners Carlos Sanchez-Gutierrez wurde beim soundSCAPE-Festival 2015 uraufgeführt. Das Werk ist eine Fusion von zwei separaten Stücken, Chance Forest Interludes für Solosopran und Kikai no Mori für Klavier und Schlagzeug. Wenn sie zusammen präsentiert werden, werden die Zwischenspiele zwischen die Sätze von Kikai no Mori eingefügt. Die Zwischenspiele sind virtuose Stücke, die den fragmentierten Melodien und der spannungsgeladenen, rhythmischen Intensität von Kikai no Mori eine relativ ruhige Note verleihen. Der Percussion-Part umfasst gestimmte und ungestimmte Instrumente, und selbst das Klavier selbst wird durch verschiedene erweiterte Techniken – Toncluster, direktes Spielen auf den Saiten, Halten der Saiten beim Anschlagen der Tasten – zu einer Art mehrstimmigem Percussion-Ensemble .

Splitterschilf – hypothetische Inseln (2019)

Die erweiterte Technik hat vor langer Zeit ihren Schockwert verloren, was sehr gut ist. Für viele Komponisten wie auch für Interpreten ist die erweiterte Technik eine Ressource, auf die selbstverständlich zurückgegriffen werden kann – als ein Musikinstrument unter vielen und nicht als Neuheit oder Anomalie. Wie ihr schönes zweites Album zeigt, zeigt die Musik, die für das außergewöhnliche Schilfquintett Splinter Reeds geschrieben und aufgeführt wurde – der Oboist Kyle Bruckmann, der Klarinettist Bill Kalinkos, der Saxophonist David Wegehaupt, der Bassklarinettist Jeff Anderle und die Fagottistin Dana Jessen -, wie kunstvoll erweiterte Technik eingesetzt werden kann das organisationsprinzip für anregende werke, die für darsteller und zuhörer gleichermaßen herausfordernd sind.

Ein hervorragendes Beispiel dafür ist der Komponist Sky Mackley’s Choppy, der 2017 für Splinter Reeds geschrieben und im November im Berkeley Art Museum uraufgeführt wurde. Das Stück verwebt ein dichtes Gewebe aus Multiphonics, mikrotonaler Verstimmung, Überblähung und den nicht-musikalischen Klängen von gestörtem Wasser (eine klangliche Anspielung auf die Anspielung des Titels auf windgeblasenes Wasser, vielleicht). Es ist ein Stück, das Extreme in Bezug auf Register und Dynamik bewohnt. Wir könnten uns vorstellen, dass die Furien zuhören, wenn sie nicht auf der Suche nach Übertretern sind.

Wie Choppy setzt auch Eric Wubbels ‘Auditory Scene Analysis II, der 2016 für die Gruppe geschrieben wurde, Multiphonics als wichtiges Element ein. Ebenso wie Choppy enthält es störende dynamische Kontraste sowie harte, massierte Klangcluster. Einige der perkussiven Effekte in Wubbels ‘Stück finden in Theresa Wongs Briefen an einen Freund ein verstärktes Echo, das mit Tastenklicks und Ohrfeigen einen komplexen Satz von Rhythmen und Gegenrhythmen erzeugt.

Der Titeltrack von Yannis Kyriakides verstärkt den Klang der akustischen Winde mit Elektronik. Das Stück beginnt mit einem windähnlichen Hintergrundgeräusch, das im Auf- und Absteigen als Unterströmung durchgehend verläuft. Darüber hinaus schnitzen die Stimmzungen dissonante Klanginseln – kurze, diskordante Fragmente von Ensemble-Werken, die die Gestalt verlockender, weil bewusst unvollständiger Melodietöne annehmen.

Das Album enthält auch die fröhlich stotternde Polyphonie von Matthew Shlomowitz ‘Lines and Length und die abwechselnd pointillistischen und bewegend lyrischen Exercises I und II von Cara Haxo.

Marianne Gythfeldt – Only Human: Elektroakustische Werke für Klarinette (2018)

Auf den ersten Blick erscheint der Titel von Marianne Gythfeldts Only Human als ironisch. Das Album ist eine Sammlung von Werken für Klarinette und Bassklarinette, ergänzt durch Elektronik in verschiedenen Kapazitäten; Die resultierenden Geräusche sind mehr als nur das, was der menschliche Atem beim Vibrieren eines Rohres erzeugt. Tatsächlich gibt es jedoch keine Ironie: Die Technologie überschattet nie die im Wesentlichen menschlichen Rhythmen, die der Musik zugrunde liegen, und den ebenso menschlichen Drang, eine ausdrucksstarke Botschaft von einer Person zu einer anderen zu übermitteln, obwohl sie klingt.

Gythfeldt bringt hier viel Erfahrung in die Musik ein. Sie ist Mitglied der Fakultät des Brooklyn College Conservatory sowie des Ensembles Zephyros Winds. Ihr Repertoire ist vielfältig und umfasst klassische und zeitgenössische Kammermusik sowie die Art von Werken, die auf Only Human vertreten sind. Das Album zeigt etwas aus Gythfeldts Geschichte mit elektroakustischer Musik, da die früheste Komposition auf der CD, Robert Morris ‘1999 On The Go, auch die Möglichkeit eröffnete, Elektronik in ihre Klarinette zu integrieren. In der Struktur, wenn nicht in den Details des Klangs, ist Morris ‘Arbeit ziemlich konventionell. Es ist auf der einen Seite einem Konzert für Soloklarinette und auf der anderen Seite einem üppigen, aber unverkennbar synthetischen Quasi-Orchester nachempfunden; die beiden Teile scheinen sich mit einem hohen Maß an Unabhängigkeit zu bewegen,

Der Titelsong der CD wurde 2005 von John Link für Gythfeldt komponiert. Das Stück für Klarinette und Stereo-Sound lässt Gythfeldt gegen ein virtuelles Ensemble spielen, das sich aus voraufgezeichneten, größtenteils unverarbeiteten Samples zusammensetzt. Die Multiplikation von Stimmen verwandelt eine gebrochene, registerhaltige Lead-Line in eine Reihe von Echo-Hockets und langen Harmonien. Mikel Kuehns Ritus of Passage (Hyperresonance V) aus dem Jahr 2014 wurde wie nur ein Mensch für Gythfeldt komponiert. Hier spielt sie Bassklarinette und schlängelt sich durch ein mehr oder weniger dichtes Netz elektronischer Klänge, während sie einen Bassklarinettenpart aus Strawinskys Frühlingsritus umkreist. Elizabeth Hoffmans Und als die weißen Motten auf dem Flügel waren (2017), ein dreiteiliges Werk für Klarinette und Live-Elektronik, wurde für Gythfeldt in einem kollaborativen Prozess der Improvisation und Konversation komponiert. Der kollaborative Geist der Komposition schlägt sich in ihrem Klang nieder: Die Klarinette und die Elektronik sind dynamisch ausbalanciert und gut integriert, wobei jede Stimme als stimmungsvolle Ergänzung zur anderen dient. Eric Lyons ‘Little History of Photography (2015) für Klarinette und interaktiven Computer verwendet Gythfeldts Echtzeit-Performance als Input für die Live-Manipulation. Gythfeldts Part besteht aus einer kräftigen, ansteigenden und fallenden Flut von Noten, die an den Rändern mit Timbraleffekten gestickt sind, die dank der Computerverarbeitung entstanden sind. Licorice Stick Groove von David Taddie kombiniert Live-Klarinette mit einem aufgezeichneten Soundtrack, der durch eine Reihe von energetischen Rhythmen läuft. Der kollaborative Geist der Komposition schlägt sich in ihrem Klang nieder: Die Klarinette und die Elektronik sind dynamisch ausbalanciert und gut integriert, wobei jede Stimme als stimmungsvolle Ergänzung zur anderen dient. Eric Lyons ‘Little History of Photography (2015) für Klarinette und interaktiven Computer verwendet Gythfeldts Echtzeit-Performance als Input für die Live-Manipulation. Gythfeldts Part besteht aus einer kräftigen, ansteigenden und fallenden Flut von Noten, die an den Rändern mit Timbraleffekten gestickt sind, die dank der Computerverarbeitung entstanden sind. Licorice Stick Groove von David Taddie kombiniert Live-Klarinette mit einem aufgezeichneten Soundtrack, der durch eine Reihe von energetischen Rhythmen läuft. Der kollaborative Geist der Komposition schlägt sich in ihrem Klang nieder: Die Klarinette und die Elektronik sind dynamisch ausbalanciert und gut integriert, wobei jede Stimme als stimmungsvolle Ergänzung zur anderen dient. Eric Lyons ‘Little History of Photography (2015) für Klarinette und interaktiven Computer nutzt Gythfeldts Echtzeit-Performance als Input für die Live-Manipulation. Gythfeldts Part besteht aus einer kräftigen, ansteigenden und fallenden Flut von Noten, die an den Rändern mit Timbraleffekten gestickt sind, die dank der Computerverarbeitung entstanden sind. Licorice Stick Groove von David Taddie kombiniert Live-Klarinette mit einem aufgezeichneten Soundtrack, der durch eine Reihe von energetischen Rhythmen läuft. Eric Lyons ‘Little History of Photography (2015) für Klarinette und interaktiven Computer nutzt Gythfeldts Echtzeit-Performance als Input für die Live-Manipulation. Gythfeldts Part besteht aus einer kräftigen, ansteigenden und fallenden Flut von Noten, die an den Rändern mit Timbraleffekten gestickt sind, die dank der Computerverarbeitung entstanden sind. Licorice Stick Groove von David Taddie kombiniert Live-Klarinette mit einem aufgezeichneten Soundtrack, der durch eine Reihe von energetischen Rhythmen läuft. Eric Lyons ‘Little History of Photography (2015) für Klarinette und interaktiven Computer nutzt Gythfeldts Echtzeit-Performance als Input für die Live-Manipulation. Gythfeldts Part besteht aus einer kräftigen, ansteigenden und fallenden Flut von Noten, die an den Rändern mit Timbraleffekten gestickt sind, die dank der Computerverarbeitung entstanden sind. Licorice Stick Groove von David Taddie kombiniert Live-Klarinette mit einem aufgezeichneten Soundtrack, der durch eine Reihe von energetischen Rhythmen läuft.

Vergängliche Leinwand – verkabelt (2018)

Auf Wired ist das Akustikduo Transient Canvas – Bassklarinettistin Amy Advocat und Marimbist Matt Sharrock – in der Tat verkabelt. Die meisten der sieben Stücke auf der CD, die das Duo zwischen 2014 und 2017 in Auftrag gegeben hat, ergänzen das Grundensemble aus Schilf und Schlagzeug mit elektronischen Klängen der einen oder anderen Art.

Viele der Kompositionen spiegeln den Einfluss von Rock oder anderer neuerer populärer Musik wider: Sie können erkennbare, liedartige harmonische Zyklen oder genau definierte Rhythmen oder beides aufweisen. Aber das ist nur ein Ausgangspunkt; Dies sind Einflüsse, die überarbeitet, zerlegt und für jeden Komponisten zu etwas Besonderem zusammengesetzt werden müssen. Exergy Bubblebath, zum Beispiel eine Komposition von Peter VanZandt Lane aus dem Jahr 2015, lässt sich explizit von der Tanzmusik der 90er Jahre inspirieren, formuliert sie jedoch in einer Reihe geschickt ausgeführter, schneller Unisono-Figuren für Bassklarinette und Marimba neu, während elektronische Klänge im Hintergrund abprallen. Syncopation treibt Dan Van Hassels Epidermis (2017) an, die sich in zuckende Wiederholungen fragmentarischer Phrasen auflöst, die von einer Haut elektronischer Klänge bedeckt sind. Das Jahr ohne Sommer von Kirsten Volness (2017) beginnt mit grübelnde elektronische Töne, bevor sie sich zu einer bewegend klagenden Bassklarinettenmelodie entwickeln, die über arpeggierten Akkorden auf der Marimba liegt. Branches, eine Komposition von David Ibbett aus dem Jahr 2015, zeigt Rockrhythmen in wechselnden Taktarten, die an einige der herausfordernderen Arten von Progressive Rock erinnern. von dort geht es in ein ansteckend fröhliches outro über. Somnambula (2014) von Rudolf Rojahn wiederholt eine relativ einfache, aber eindringliche Melodie über einer zyklischen Liedstruktur, die es dann in einer Reihe von Variationen durchläuft. Auf der abstrakteren Seite bewegt sich Lainie Feffermans Hyggelig (2016), das allein für Advocat und Sharrock ein rein akustisches Stück zu sein scheint, in freischwebenden Trillern und gemessenen Linien. Mischa Salkind-Pearls Solm (2016) fängt in musikalischer Analogie die Erfahrung ein, eine Fremdsprache zu hören, deren Bedeutung man nicht versteht: Was auffällt, sind die Prosodie sowie Teile der Phonik, bei denen die Semantik herausgenommen wurde. Dementsprechend ist die Musik fragmentiert und konzentriert sich auf die Klangqualität der Instrumente, angereichert durch ein elektronisches Overlay.

Scott L. Miller – Raba (2018)

Die elektronische und elektroakustische Musik auf Raba repräsentiert auf ihre Weise eine Aktualisierung der Ambient-Musik durch zeitgenössische Kunstmusik. Wie der Komponist Scott L. Miller erklärt, begann die CD als Retrospektive seines Werkes, entwickelte sich aber zusammen mit der Schaffung neuer Werke zu einer Überarbeitung einiger alter Stücke.

Der 2015 komponierte und 2017 überarbeitete Titeltrack zeigt beispielhaft das Spannungsparadox innerhalb der Drift, das Millers Neuinterpretation der Umgebungskomposition kennzeichnet. Das Stück ist für ein kleines elektroakustisches Ensemble aus Bläsern, Streichern, Klavier, Schlagzeug und elektronischem Klang orchestriert. Letzterer ist für das Ambiente verantwortlich und liefert dabei einen texturellen Hintergrund, der zeitweise an das elektronische Summen eines fernen Motors erinnert. Über dieses Fundament greifen die akustischen Instrumente mit komplementären Klangwäschen ein. Die Arbeit ist zurückhaltend, aber psychologisch angespannt; es schafft eine Atmosphäre, die von ungelöster Erwartung durchdrungen ist. Der Titel von The Frost Performs Its Secret Ministry (2016) weist auf eine esoterische Handlung hin, die in einem alltäglichen meteorologischen Ereignis verborgen ist. dieses Trio für Flöte (Laura Cocks), Gitarre (Daniel Lippel) und elektronischer Sound sorgen dafür, dass die Action in meist abstrakten, ungestimmten Klängen verschleiert bleibt: Die Flöte erklingt zum Beispiel in einem Luftstoß. Lippels aufgeregtes Klimpern verhindert, dass das Stück träge wird und fügt stattdessen eine dringende, emotionale Kante hinzu. Lippel ist der Dreh- und Angelpunkt für Meditation (2016) für Gitarre und interaktiven elektronischen Sound. Das Stück wird von einem feedbackartigen Summen untermauert, auf dem die koloristischen Fragmente der Gitarre schweben. Aus dieser Grundeinteilung der Klangparts baut Miller aus Gegensätzen der Klangfarbe ein subtiles Drama auf: Der scharfe Anschlag, das kurze Sustain und die relativ gedämpften Töne der Nylonsaiten-Gitarre bilden einen überzeugenden Kontrast zu den anhaltenden Klängen der Elektronik. Lippels aufgeregtes Klimpern verhindert, dass das Stück träge wird und fügt stattdessen eine dringende, emotionale Kante hinzu. Lippel ist der Dreh- und Angelpunkt für Meditation (2016) für Gitarre und interaktiven elektronischen Sound. Das Stück wird von einem rückkopplungsartigen Summen untermauert, auf dem die koloristischen Fragmente der Gitarre schweben. Aus dieser Grundeinteilung der Klangparts baut Miller aus Gegensätzen der Klangfarbe ein subtiles Drama auf: Der scharfe Anschlag, das kurze Sustain und die relativ gedämpften Töne der Nylonsaiten-Gitarre bilden einen überzeugenden Kontrast zu den anhaltenden Klängen der Elektronik. Lippels aufgeregtes Klimpern verhindert, dass das Stück träge wird und fügt stattdessen eine dringende, emotionale Kante hinzu. Lippel ist der Dreh- und Angelpunkt für Meditation (2016) für Gitarre und interaktiven elektronischen Sound. Das Stück wird von einem feedbackartigen Summen untermauert, auf dem die koloristischen Fragmente der Gitarre schweben. Aus dieser Grundeinteilung der Klangparts baut Miller ein subtiles Drama aus Gegensätzen des Timbres auf: Der scharfe Anschlag, das kurze Sustain und die relativ gedämpften Töne der Nylonsaiten-Gitarre bilden einen überzeugenden Kontrast zu den anhaltenden Klängen der Elektronik.

Ogni Suono – Saxo Voce (2019)

Ogni Suono, das Saxophonduo von Noa Even und Phil Pierick aus Cleveland, Ohio, eröffnete im vergangenen September das Sonic Circuits DC Festival 2018. Ihr Set war ein bemerkenswertes, präzise gespieltes Stück ihres Albums Saxo Voce, einer Sammlung neuer Werke, die sie bei mehreren zeitgenössischen Komponisten in Auftrag gegeben hatten. Wie der Titel schon sagt, ist Saxo Voce ein Album mit Musik für Saxophone und Stimmen, die auf verschiedene Weise aufeinander abgestimmt und sortiert sind. Auf einem Stück wie Christopher Dietzs My Manifesto and Me (2016), das rezitative und instrumentale Passagen abwechselt, besetzen Stimme und Saxophon unterschiedliche Bereiche, die sich gegenseitig kontrastierend dramatisieren. Auf Chris Fisher-Lochheads Chroma (2017) für zwei Sopransaxophone und Stimme, Die Instrumentalteile – lange Linien, die sich langsam aneinander vorbeibewegen – liegen auf einem Substrat wortloser Stimmen, die kaum von den Klängen der Instrumente zu unterscheiden sind. Das ruhige Tempo des Werks wird durch die Dissonanzen auf der Kante beeinträchtigt, die durch Obertöne, Multiphonics und mikrotonale Kollisionen hervorgerufen werden. Ogni Suonos Anlage mit erweiterten Techniken wird in Vocalise II (2016) von Felipe Lara weiter demonstriert, der mit zischenden Luftnoten hereinstürzt und auf der Drohne eines Tenorsaxophons gehalten wird, das von einer parallelen, summenden Linie begleitet wird.

Anthony Cheung – Zyklen und Pfeile (2018)

Cycles and Arrows, eine Sammlung komplexer, kunstvoller Kompositionen für Kammerensembles, ist die dritte Porträt-CD mit Werken von Anthony Cheung (* 1982). Die Aufnahme unterstreicht Cheungs Interesse am Komponieren mit einem Fokus auf die Eigenschaften von Instrumentalstimmen, sowohl allein als auch in Kombinationen.

Cheungs Interesse an Instrumentalfarben ergibt sich natürlich aus seiner Ausbildung als Komponist. Cheung war sowohl Pianist als auch Komponist. Zu seinen wichtigsten Kompositionslehrern zählten die Spektralisten Tristan Murail und Bernard Rands. Er schrieb seine Dissertation über Ligetis Hamburger Konzert, ein spätes Werk, das sich mit nichtharmonischen Klängen für Solohorn und Kammerorchester befasste. Vor diesem Hintergrund ist es nicht verwunderlich, dass Cheungs Kompositionen dazu neigen, Klangfülle als wesentliches Produkt sorgfältiger Orchestrierung in Anspruch zu nehmen.

Mit Ausnahme von Après une Lecture 2015, einem Werk für Solo-Oboe, lokalisieren alle Stücke auf Cycles and Arrows ihre musikalischen Schwerpunkte in den Timbraleffekten instrumentaler Aggregationen und Divisionen. Eine der abenteuerlicheren Instanzen ist More Marginalia (2014) für ein zehnköpfiges Ensemble. Die Komposition stellt eine Überarbeitung von Cheungs 2012-Werk für zehn traditionelle chinesische Instrumente dar, das ursprünglich für das Taipei Chinese Orchestra geschrieben wurde. Für das neuere Werk ersetzte Cheung die Hälfte der chinesischen Instrumente durch westliche Instrumente mit mehr oder weniger analogem Aufbau. Die unkonventionelle Zusammensetzung des Ensembles ermöglicht es Cheung, wechselnde Klangbündnisse und Gegensätze zwischen Instrumentengruppen zu bilden, deren kontrastierende Stimmen kontrastierende Traditionen und Spieltechniken widerspiegeln. Besonders wirkungsvoll sind die Kontraste zwischen den gezupften und gebogenen chinesischen Instrumenten einerseits und den westlichen Saiten und Bläsern andererseits. In diesem Stück wie auch in den anderen Werken für Kammerorchester spielt Cheung instrumentelle Koalitionen gegeneinander in Farbkonstellationen, die sich so schnell auflösen, wie sie zusammenhalten.

Après une lecture ist zwar ein Solostück, befasst sich jedoch im Wesentlichen mit der Dynamik der Klangfarbe. Basierend auf einer freien Lektüre von Leoš Janáčeks Transkriptionen gesprochener Sprache greift Cheungs Komposition, die der Oboist Ernest Rombout mit Nachdruck verwirklicht, auf ein Vokabular aus Mikrotönen und Multiphonics zurück, um die Launen der menschlichen Stimme nachzuahmen. Die unregelmäßigen Akzente und das unregelmäßige Tempo vermitteln zusammen mit den mercurial veränderten Registern etwas aus dem Bereich der Klangnuancen, die eine integrale, wenn auch oft übersehene Dimension der sprachlichen Bedeutung darstellen.

Douglas Boyce – Einige Folgen von vier Unfähigkeiten (2019)

Die Musik des Komponisten Douglas Boyce spiegelt eine Vielzahl von Einflüssen und Interessen wider. Er hat vorbarocke Musik als Inspiration und als Rohstoff verwendet. Gleichzeitig ist er mit der zeitgenössischen Kompositionssprache vertraut, die in der Moderne verwurzelt ist. Zu einigen Konsequenzen von vier Unfähigkeitsfällen präsentiert Boyce aktuelle Arbeiten in einer zeitgenössischen Art und Weise. Das Streichtrio 102nd und Amsterdam ist ein klangliches Porträt einer Kreuzung in Upper Manhattan: Die Energie einer städtischen Kreuzung wird in schwindelerregende Glissandi, pulsierende Rhythmen und das oft dissonante Zusammentreffen von sich unabhängig bewegenden Stimmen übersetzt. Der rhythmische Zusammenhalt und der Antrieb des Streichtrios finden im Klavierquartett Nr. 1 ein Gegenstück für Violine, Bratsche, Cello und Klavier. Die asymmetrischen, aber regelmäßigen Rhythmen und schweren Akkorde des Stücks erkennen auf witzige Weise die Kongruenz zwischen zwei frühen Einflüssen von Boyce an: Bartok und King Crimson. Die CD schließt mit den gut gemachten, fünfunddreißig Minuten langen Fortuitous Variations, einer vierteiligen Komposition für Klavier, Violine und Cello.

Vigeland / Füting / Lippel / Popham – „… durch die die Vergangenheit scheint…“ (2018)

Diese schöne Aufnahme sammelt neue und aktuelle Werke für Gitarre des amerikanischen Komponisten Nils Vigeland (* 1950) und des Komponisten Reiko Füting (1970), der in der damaligen DDR geboren wurde und seitdem in Amerika und Südkorea lebt. Vigeland, der bei Lukas Foss und Morton Feldman studierte, ist ebenfalls Pianist und tritt hier als solcher zusammen mit dem Cellisten John Popham auf dem Titeltrack auf. Der Gitarrist aller Stücke ist Daniel Lippel, eine der wichtigsten Stimmen bei der Interpretation zeitgenössischer komponierter Musik.

Vigelands Two Variations (1992) für Solo-Gitarre bucht das Album – eine zum Öffnen und eine zum Schließen. Vigeland schrieb das Stück mit der Absicht, der akustischen Nylongitarre, einem Instrument mit relativ kurzem Sustain, so viel Resonanz wie möglich zu entlocken. er macht das mit einem Ansturm von einzelnen Noten und Arpeggios, die sich zeitlich überlappen. Sein Quodlibet (2011) für Gitarre und Cello ist eine dreiteilige Suite, die größtenteils schräg auf The Beatles ‘Hey Jude und Good Day Sunshine anspielt. Außerhalb einiger Phrasen auf der Gitarre, die die Prosodie einiger Texte zu imitieren scheinen, ist kaum etwas von den Liedern zu erkennen, aber das Stück steht unabhängig als Lied, sobald es entfernt wurde.

Vigelands Hauptwerk ist das fast zweiundzwanzigminütige „… durch das die Vergangenheit scheint…“ von 2017, benannt nach einer Linie aus Nabokovs Roman „Transparente Dinge“. Das Stück, das zwischen pointillistischen Fragmenten und kontrapunktischen Linien wechselt, scheint die unregelmäßigen Rhythmen der Emotionen einzufangen, die mit der Erinnerung einhergehen, insbesondere die Zyklen der Erregung und Reflexion, die mit der Verschmelzung und Auflösung bestimmter Erinnerungen einhergehen. Das Schreiben wirkt sich besonders auf die Farbspannungen aus, die durch die Trennung und Kombination von Instrumentalstimmen entstehen.

Zu Fütings drei Beiträgen gehören zwei Originalkompositionen für Solo-Gitarre – die energische, ewige Bewegung von wand-uhr (2013/2016) und Red Wall (2006) sowie sein Arrangement der traditionellen jüdischen Hymne Hine ma Tov aus dem Jahr 2009. Die Rote Wand ist die faszinierendste der drei. es gibt die lineare Entwicklung zugunsten einer unregelmäßigen Folge von nebeneinander angeordneten, nicht kontingenten Ereignissen auf, die der Gitarre eine reiche, wenn auch subtile Farbpalette entlocken. Lippels Performance ist besonders überzeugend, da er die Timbral-Implikationen von Fütings stabilen und instabilen Akkorden, Harmonischen, Einzelnotenläufen und -trillern, volatiler Dynamik und Registersprüngen deutlich macht. Lippel spielt hier wie überall auf der Aufnahme mit einem charakteristisch makellosen Ton und präzisen Stimmen.

Olivia De Prato – Streya (2018)

Streya ist das Debüt-Soloalbum der in New York lebenden österreichisch-italienischen Geigerin Olivia De Prato. De Prato ist spezialisiert auf zeitgenössische komponierte Musik sowie Improvisation; Darüber hinaus ist sie Mitbegründerin des Mivos Quartetts, eines Kammerensembles, das sich auch auf zeitgenössische Werke spezialisiert hat. Für Streya hat sie sechs neue Stücke für Violine allein oder mit Elektronik zusammengestellt, von denen vier speziell für sie geschrieben wurden.

Einer der vier ist Streya. Das Stück wurde ursprünglich 2010 für De Prato von Victor Lowrie, dem Bratschisten des Mivos Quartetts, komponiert. Die hier aufgenommene Version wurde 2016 für die Aufnahme erweitert. Obwohl Streya moderat auf modernen Techniken der Gegenüberstellung und Störung beruht, behält sie eine lyrische Kontinuität bei, die durch einen dramatischen Einsatz von Dynamik unterstrichen wird. De Pratos Interpretation bringt den Sinn für Proportionen und Ausgewogenheit des Stücks lebendig zum Ausdruck. Ned Rothenbergs Percorso insolito („außergewöhnlicher Weg“) von 2016, der wie Streya eine Art zeitgenössisches Gegenstück zur barocken Solo-Violinsonate darstellt, ist ein klar gespieltes, lineares Stück, das den Kompass des Instruments auf und ab bewegt. Taylor Brooks Wane (2016) nutzt auch die Reichweite der Violine, allerdings auf andere Weise. Das mehrspurige Stück baut Schichten aus fünf Violinstimmen auf, jeweils mit einer anderen Stimmung. Der zusammengesetzte Klang besteht aus aufsteigenden und abfallenden Glissandi, die mit flehenden, stimmhaften Ornamenten verziert sind. Missy Mazzolis 2014er Vespers for Violin verwendet auch aufgenommenes Material, diesmal Samples aus der Aufführung ihrer Vesper für ein neues dunkles Zeitalter, als ein Sonic Scrim, gegen das De Prato ihren eigenen Part projiziert. Dieses atmosphärische Stück bietet einige der reichhaltigen, einhüllenden Klangfarben elektronischer Ambient-Musik und bietet einen üppigen Kontrast zu den strengeren Werken, die ihm vorausgehen.

Zu Streya gehören auch Samson Youngs electroacoustic Ageha.Tokyo (2008) und Reiko Fütings Tanz.Tanz (2010) für Solovioline.

Michael Hersch / Das FLUX-Quartett – Bilder aus einer geschlossenen Gemeinde (2018)

Bilder aus einer geschlossenen Abteilung, Michael Herschs Zyklus von dreizehn Sätzen für Streichquartett, ist nicht einfach zu hören. Herschs Inspiration war eine Reihe von Radierungen und Drucken des Künstlers Michael Mazur, die in den 1960er Jahren von Menschen ins Leben gerufen wurden, die in einer Irrenanstalt in Rhode Island untergebracht waren. Die Musik ist dementsprechend verstörend – jarrend, diskordant, hart und unnachgiebig. Hersch nutzt Klangblöcke, bewusst verstimmte Harmonien und erweiterte Streichertechniken, um eine Welt zu vermitteln, die nicht festgemacht und instabil ist und von Leere und grundlegender Selbstentfremdung heimgesucht wird. Man kann sich nur vorstellen, was diese Menschen erlebt haben oder wie sich ihre Umgebung auf sie ausgewirkt hat. Herschs Komposition liefert fünfundsechzig Minuten einfühlsamer Vermutung, die das FLUX-Quartett mit unerbittlicher Kraft umsetzt.

Gregory Oakes – Ästhetischer Apparat (2018)

Einige der herausforderndsten Musikstücke der letzten Jahre – sowohl zum Spielen als auch zum Hören herausfordernd – wurden von dem deutschen Komponisten Helmut Lachenmann (* 1935) geschrieben. Der konzeptuelle Kern eines Großteils seiner Musik bestand darin, die Bedingungen, die der Musikproduktion zugrunde liegen und von denen sie ausgehen, freizulegen – im Wesentlichen die physischen Voraussetzungen der Aufführungspraxis sowie die Bestimmungen des Genres, die sowohl akzeptiert als auch abgelehnt wurden. Musikalischer Klang ist für Lachenmann ein Komplex von Faktoren, die in die Tradition oder das Genre zurückreichen, in Bezug auf das er geschaffen wurde, und in den Moment vordringen – die physische Situation spezifischer Möglichkeiten und die Entscheidungen, die sie hervorrufen -, in denen er tatsächlich erzeugt wird . So lautet der Titel seines Schriftsatzes, der übersetzt “Musik als existentielle Erfahrung” bedeutet. Dieser Standpunkt stellt außergewöhnliche Anforderungen an den Interpreten, Wer muss mit allen Aspekten und Ressourcen vertraut sein, die sein Instrument zu bieten hat? Mit Aesthetic Apparatus, einem Set von drei Lachenmann-Kompositionen, nimmt der Klarinettist Gregory Oakes die Herausforderung an.

Oakes, Chefklarinettist des Des Moines Symphony Orchestra und Assistant Professor für Klarinette an der Iowa State University in Ames, interessiert sich besonders für zeitgenössische Kunstmusik. Ein Großteil seines Repertoires ist das Ergebnis der Zusammenarbeit mit derzeit aktiven Komponisten, und er scheint besonders von neuer Musik angezogen zu sein, die eine umfassende Vorstellung davon hat, welche Arten von Klängen im Konzertsaal zulässig sind. Somit ist Lachenmanns Musik eine natürliche Passform für ihn.

Die Affinität zwischen Oakes und Lachenmanns Klangwelt wird beim ersten Stück, Dal Niente (Interieur III) für Soloklarinette aus den 1970er Jahren, sofort deutlich. Die Komposition erfordert eine Reihe erweiterter Techniken für das Instrument, von denen viele die Geräusche des Atems an der Grenze der Stille beinhalten. In seiner Liner Note weist Oakes darauf hin, dass der Titel des Stücks von einer musikalischen Markierung abgeleitet ist, die sich als „aus dem Nichts“ übersetzt; seine Darbietung dreht sich dementsprechend um den Fluss von Klängen, die aus dem Nichts hervorgehen und zu diesem zurückkehren. Das Trio Fluido für Klarinette, Bratsche und Schlagzeug von 1966, in dem Oakes von den Bratschisten Jonathan Sturm und Matthew Coley an der Marimba begleitet wird, konzentriert sich ebenfalls auf den Klang, aber auf eine durchsetzungsfähigere Art und Weise. Das Stück beginnt mit einem fragmentierten Kontrapunkt der Moderne, der durch eine Art kompositorische Autodekonstruktion allmählich löst sich in abstrakten Klang. Was an dem Stück auffällt, ist seine zugrunde liegende Konsistenz; Die Unterteilung der drei Stimmen lenkt die Aufmerksamkeit auf ihre individuellen Timbraleigenschaften, ob konventionell oder mit den erweiterten Techniken, die das letzte Drittel der Aufführung dominieren. Das Zusammenspiel der drei Interpreten gelingt sowohl raffiniert als auch (subtil) dramatisch. Die letzte Aufführung, das fast 32 Minuten lange Allegro Sostenuto (1986/1988), ist ein Trio für Klarinette, Cello (George Work) und Klavier (Mei-Hsuan Huang), das Lachenmann als Vermittler zwischen Resonanz und Bewegung beschrieben hat. Das Stück beginnt als ein Archipel von schnellen Ausbrüchen, abgeschnittenen Phrasen und Klangpunkten, die sich im Laufe der Zeit ansammeln und Länge und Masse aufbauen. Die Resonanz beruht auf der Individualisierung der drei Instrumente, was durch die präzise Artikulation der drei Spieler unterstützt wird. Wie bei allen drei Stücken spielt Oakes mit einem feinkörnigen, gut modulierten und lebendigen Klang.

Scott Wollschleger – Soft Aberration (2017)

Der Komponist Scott Wollschleger (* 1980) scheint am meisten daran interessiert zu sein, musikalische Effekte durch eine bewusst gewählte Mittelökonomie zu erzielen. Er schreibt hauptsächlich für Kammerensembles oder Solisten, und in der Tat enthält Soft Aberration, das erste Album, das nur seiner Arbeit gewidmet ist, Kompositionen für Solo, Duo, Trio und Quartett.

Einige der Titel dieser Werke – Soft Aberration, Brontal Symmetry – lassen wahrscheinlich Assoziationen an Komponisten der New York School aufkommen, insbesondere an Morton Feldman. Wollschleger hat die New York School und Feldman als Einflüsse und vorbildliche Figuren anerkannt; Wie Feldman bevorzugt Wollschleger es, Stücke aus Fragmenten von Tonhöhen, Klangfarben oder rhythmischen Figuren zu konstruieren. Seine Methode, aus diesen Grundelementen ein Gesamtwerk zu bauen, besteht im Allgemeinen darin, Ketten von halbunabhängigen Ereignissen oder Momenten zu erzeugen, die durch ein relativ einfaches Muster aus Tonhöhe, Farbe oder rhythmischen Beziehungen definiert werden. Ein Moment impliziert nicht unbedingt den nächsten; Wollschlegers erklärtes Ziel, aus diskontinuierlichen, sich wiederholenden Ereignissen kontinuierliche Arbeiten zu machen, ist es, den Hörer zu ermutigen, über die verschiedenen Facetten der Klänge nachzudenken – als ob sie aus verschiedenen Blickwinkeln präsentiert worden wären.

Das lange Stück, das das Album eröffnet, Brontal Symmetry 2015, wurde vom unorthodoxen Klaviertrio Longleash in Auftrag gegeben, das es hier aufführt. Das Werk ist ein sorgfältig ausgewählter Auftakt, da es einige der Schlüsselaspekte von Wollschlegers Ästhetik verkörpert. Das Stück legt von Anfang an sein grundlegendes musikalisches Material dar, denn es beginnt mit einem stakkatoartigen, bewusst quadratisch rhythmisierten Dreitonmotiv auf dem Klavier. Das Motiv wird von den Streichern aufgenommen, die mehr sein Phrasenprofil als seine exakte Melodie wiedergeben. Das Spiel löst sich dann in ein Chaos-Simulakrum auf – akustisches weißes Rauschen, das durch das rasende Verbiegen der Saiten übertragen wird. Dieser Stimmungskontrast setzt ein größeres, symmetrisches Muster, in dem das Stück Passagen, die durch das einfache Motiv definiert sind, mit chaotischen oder leisen Passagen abwechselt.

Das weiße Rauschen der ungestimmten Momente der Streicher in Brontal Symmetry wird in – und im Titel von – White Wall (2013) für Streichquartett angedeutet – weiterentwickelt. White Walls sanfte, gedämpfte Streicher und pfeifende Obertöne, die gelegentlich durch gezupfte oder gebogene Stiche unterbrochen werden, werden mit der erforderlichen Subtilität des Mivos-Quartetts gespielt und kommen größtenteils in einer Audioumgebung vor, die sich durch geringe Dynamik und verstreute Textur auszeichnet. White Wall ist ein Stück außergewöhnlicher Klangzartheit, das als dezenter Fokus des Albums dient.

Die anderen Kompositionen des Albums – der Titelsong für Klavier und Bratsche; Amerika, für Solocello; und bringen Sie etwas Unverständliches in diese Welt, für das ungewöhnliche Duo von Sopran und Trompete – geben Sie mehr Zeugnis von einem Komponisten, der das Ausdrucksmaximum aus minimalen musikalischen Mitteln extrahieren kann.

Mikel Kuehn – Objekt / Schatten (2017)

Die Ergebnisse der musikalischen Revolution, die die Moderne im letzten Jahrhundert erlebt hat, sind immer noch bei uns. Die Möglichkeiten, die sich der Modernismus in Bezug auf Tonhöhenverhältnisse, die Rolle des Timbres und die musikalische Syntax eröffnete, haben sich zu einer Art alternativer gängiger Praxis entwickelt, deren Strategien zeitgenössischen Komponisten immer schon zur Verfügung stehen.

Für den Komponisten Mikel Kuehn (* 1967) ist die gängige Praxis der Moderne eine bemerkenswerte Präsenz, die sein Werk belebt. Kuehn, Professor für Komposition an der Bowling Green State University in Ohio, begann als Perkussionist in seiner Jugend in der Gegend von Los Angeles. Wie viele Komponisten seiner Generation umfasst sein Hintergrund Jazz und andere Musikrichtungen außerhalb der westlichen klassischen Tradition. Einige dieser vielseitigen Einflüsse sind in seinen Kompositionen zu spüren, beispielsweise in ihrer Instrumentierung. Bei Object / Shadow, der ersten vollständigen Veröffentlichung, die sich seiner Musik widmet, ist Modernism mit seiner expansiven Tonhöhe, seinem Timbral-Vokabular und insbesondere seiner divisionistischen Syntax der zentrale Bezugspunkt.

Bei den Ensemble-Stücken Undercurrents (2013), Colour Fields (2006/2008) und Between the Lynes (1994) wendet Kuehn modernistisch abgeleitete Strategien für den Umgang mit Texturen und Phrasen an. Bei allen drei Stücken behandelt er die Oberflächen als komplexe, bunte Mosaike aus kleinen, unregelmäßig geformten Kacheln, die verschiedene Instrumente oder Instrumentenkombinationen als kurze, sich ständig ändernde Ereignisse in den Vordergrund stellen. Die Spannungen, die durch diese fragmentarischen Texturen erzeugt werden, werden durch ungelöste Dissonanzen und Phrasenenden ergänzt, die wie offene und unbeantwortete Fragen baumeln. Das sind allgemeine Beobachtungen; Jedes der Stücke hat seine eigenen Attraktionen. Color Fields zum Beispiel, geschrieben und aufgeführt von dem Flexible Music-Quartett aus Tenorsaxophon (Timothy Ruedeman), Vibes (Haruka Fujii), Gitarre (Daniel Lippel) und Klavier (Eric Huebner)Milton Babbitts All Set greift ein Jazzensemble auf und verwendet es für abstrakte Zwecke. Während All Set das Ensemble in sich ständig ändernde Untergruppen aufteilte, ist Color Fields für die Kombination von Instrumenten zu einer einzigen Zeile zusammengesetzter Klangfarben bekannt. Der Kontrast von Staccato und anhaltenden Stimmen, die parallel klingen, verleiht dem Stück einen unruhigen Schub, ebenso wie die im Allgemeinen langen, treibenden Phrasen, die durch das Stück laufen. Zwischen dem Lynes für Flöte, Cello und Klavier, vertrat das älteste Werk ist auch in der Nähe in Ton zu einem Mitte-20 – ten Jahrhundert, Serien Zusammensetzung aufgebrochene tauchte. Es ist ein erfreulicher Ausflug in die Audiomalerei: Wie Stücke, die in ein sich drehendes Kaleidoskop fallen, die drei Stimmen – das Ensemble Dal NienteEmma Hospelhorn, Chris Wild und Winston Choi vereinen sich und teilen sich in schnelle, kurzlebige Allianzen und Gegensätze.

Unfoldings (2004), eine Solo-Gitarrenarbeit, die für Lippel geschrieben und gespielt wurde, behandelt Farbnuancen innerhalb der engeren Palette eines einzelnen Instruments. Die Komposition besteht aus einem gedämpften Drama, das auf den unterschiedlichen Timbraleigenschaften von offenen und gestoppten Streichern, Harmonischen, verschiedenen Akkordstimmen und der Platzierung der rechten Hand relativ zur Brücke aufbaut. Lippels feinfühlige und gemächliche Darbietung bringt die feinkörnigen Schattierungen zur Geltung, die diese subtile Arbeit erfordert. Chiaroscuro (2007) konzentriert sich ebenfalls auf die Klangfarben eines einzelnen Instruments, aber die Klänge werden hier verstärkt und multipliziert, indem das Soloinstrument – ein Cello – durch seine eigenen aufgenommenen und manipulierten Klänge ergänzt wird. Infolgedessen ist Chiaroscuro so kühn wie Unfoldings gemäßigt ist; Craig Hutgrens robuste Erkenntnis vordergründig perkussive Schläge, mikrotonale Zusammenstöße,

Eine schöne und anregende Musiksammlung.

Mariel Roberts – Kartografie (2017)

Cartography, das zweite Soloalbum der Cellistin Mariel Roberts, knüpft an die Arbeit an ihrer Solo-Debütaufnahme Nonextraneous Sounds 2012 an und erweitert sie. Dort präsentierte sie fünf Stücke für Solocello oder Cello in Kombination mit Elektronik, die sie alle bei Komponisten unter 40 Jahren in Auftrag gegeben hatte. Auf ihrer neuen CD sind auch neue Werke zu sehen, die alle im vergangenen Jahr entstanden sind. Zwei sind für Solocello und jeweils eine für Cello, begleitet von Klavier und Live-Elektronik. Und im Gegensatz zur früheren CD ist das Werk von mindestens einem erfahrenen Komponisten, George Lewis, vertreten.

Roberts ist als Cellist bekannt, der mit den manchmal radikalen Techniken und Formen zeitgenössischer komponierter Musik arbeitet. Obwohl alle vier Arbeiten zur Kartographie technisch herausfordernd sind, sind die von ihnen geforderten technischen Ressourcen lediglich ein Mittel, um Ausdrucksziele zu erreichen. Die Inspirationen hinter den Kompositionen, die keineswegs aus der Erforschung der Technik für sich selbst bestehen, stammen alle von außermusikalischen Ideen. Interessanterweise haben diese Vorstellungen größtenteils mit Zeit zu tun: Zeit, wie sie sich in historischen Zyklen manifestiert, Zeit als Maß für die endliche Lebensspanne von Individuen und Gruppen und Zeit als unendliche Abfolge von Momenten und Ereignissen.

Eric Wubbels ‘Gretchen am Spinnrade für Cello und Klavier macht die Wiederholung an. Der Komponist, der auch Klavier spielt, beschreibt es als ein „manisch-verfolgtes Stück“ – eine genaue Zusammenfassung seines mehr oder weniger unerbittlichen Hammerns an wiederholten Tönen, Phrasen und Rhythmen. Es gibt gelegentliche, kurzlebige Zwischenspiele der Ruhe, aber das Stück ist besonders erschütternd – ein Effekt nicht nur des ständig tönenden Klaviers, sondern auch der schillernden virtuosen Passagen von sich schnell ändernden Taktarten und verschobenen Akzenten.

Lewis ‘Spinner wurde von dem griechischen Mythos des Schicksals inspiriert, bei dem die drei Göttinnen über die Endlichkeit und das Schicksal des menschlichen Lebens herrschen. Die Arbeit erfordert eine Vielzahl zeitgenössischer Aufführungstechniken – breite Glissandi, unstimmige Doppelstopps, abrupte Interpunktion mit gezupften Noten und Obertönen, ungewöhnliche Bogenartikulationen. Anstatt abstrakt zu klingen, verleiht diese Mischung von Techniken dem Stück eine sehr menschliche Qualität – ein Großteil davon wird durch die Fähigkeit des Cellos vermittelt, Stimmbeugungen einzufangen, die Roberts Performance hervorhebt.

Die Kartographie der Zeit des Komponisten Davið Brynjar Franzson ist wie Spinner ein Werk für unbegleitetes Cello. Franzsons Karte ist mit langen, anhaltenden Tönen gezeichnet, die sich durch Überlagerung allmählich vervielfachen. Es gibt keine wirkliche melodische Bewegung, nur eine langsame Verdickung der Textur in stehende, fast unbewegliche Harmonien. Das Bild der entstehenden Zeit ist eine Art ausgetrocknete, immaterielle Ebene, die sich bis zu einem Endpunkt erstreckt, der immer weiter über den Horizont hinausgeht.

Cenk Ergüns Aman, ein Wort, das auf Arabisch “Sicherheit” bedeutet, aber auf Türkisch eine Warnung ist, ist das einzige Stück, das die Zeit nicht direkt beansprucht. Aman, ein Werk für Cello und Live-Elektronik, entfaltet sich durch Diskontinuitäten von Textur und Register und behandelt das Cello zunächst fast wie ein Schlaginstrument. Die vom Komponisten gelieferte Elektronik entfernt das Stück von einem „natürlichen“ akustischen Klang, indem sie ein Element aus Verzerrung und farbigem Rauschen einführt und das Cello schließlich in einen Spender rückwärtsschwingender Töne verwandelt.

Die vier Stücke unterscheiden sich erheblich voneinander und stellen unterschiedliche Anforderungen an den Interpreten. Roberts ‘Performances sind durchweg aufregend und lassen nie zu, dass die Technik den Ausdruck überschattet.

Eine sehr willkommene Veröffentlichung von New Focus Recordings mit Solo-, Kammer- und Vokalwerken von Reiko Füting

Eine sehr willkommene Veröffentlichung von New Focus Recordings mit Solo-, Kammer- und Vokalwerken von Reiko Füting

Reiko Füting www.reiko-fueting.de wurde 1970 in Königs Wusterhausen in der DDR geboren und studierte Komposition und Klavier am Dresdner Konservatorium; Rice University, Houston; die Manhatten School of Music und die Seoul National University, Südkorea.
Neben der Komposition trat Füting in ganz Europa, Asien und den USA auf. Er unterrichtet Komposition und Theorie an der Manhattan School of Music und war Gastdozent und Dozent an Universitäten und Konservatorien in China, Kolumbien, Deutschland, Italien, Russland, Südkorea und den USA.
Er hat Instrumental-, Kammer- und Orchesterwerke sowie Chor- und Vokalwerke geschrieben.
Jetzt gibt es von New Focus Recordings www.newfocusrecordings.com eine neue Veröffentlichung von Solo-, Kammer- und Vokalwerken von Reiko Füting mit dem Titel namesErased .

Auf dieser neuen CD sind Mitglieder der berühmtesten zeitgenössischen Ensembles New Yorks zu sehen, darunter das International Contemporary Ensemble http://iceorg.org , Either / Or Ensemble www.eitherormusic.org und das Mivos String Quartet www.mivosquartet.com, die Werke aufführen von Füting in den letzten dreizehn Jahren.
In Kaddish: The Art of Losing (2008) eröffnet das Cello von John Popham ( www.johnpatrickpopham.com) mit einigen bemerkenswert gespielten, ganz besonderen Überlegungen . Bald das Klavier von Yegor Shevtsov http://yegorshevtsov.com tritt leise ein, während sich das Cello vorwärts bahnt. Ein kleines Thema wird sichtbar, während es sich entwickelt. Die Musik wächst in Spannung mit einem schärferen, dissonanten Klavierpart und einigen sehr feinen Akkorden aus dem Cello, die wundervolle Texturen und Klangfarben erzeugen. Das scharfe Verbeugen des Cellisten führt zu einer ruhigeren Passage, bevor es zum Stillstand kommt. Das Cello und das Klavier werden langsam wieder sanfter, bevor sie vor einer weiteren kurzen Pause unruhiger werden. Als sie sich langsam wieder vorwärts bewegen, verspüren sie eine schwere Belastung. Man hört gedämpfte Vokalklänge, dann erscheint das Klavier und führt langsam zu der leisen Coda, die mit einer wiederholten einzelnen Pianonote endet.
Die Mezzosopranistin Nani Füting betritt hoch oben das offene Leises Geigenspiel (2004) und extrahiert langsam einige charakteristische Vokalformen. Dies ist der erste Auszug auf dieser CD aus Fütings „… gesammeltes Schweigen“. (‘… gesammeltes Schweigen’) eine Vertonung von Texten von Reiner Bonack.
tanz.tanz (dance.dance) (2010) für Solovioline basiert auf den von der deutschen Musikwissenschaftlerin Helga Thoene entdeckten Chormelodien in Bachs Chaccone. Diese Choralmelodien sind in der gesamten Chaconne verwoben und dienen als Ausgangsmaterial für Füting. Die Solistin Miranda Cuckson ( www.mirandacuckson.com)  öffnet sich, wickelt eine Reihe von Texturen und fügt langsam kräftigere, lebendigere Akkorde hinzu. Sie webt eine bemerkenswerte Textur, die einige sehr schöne Momente mit absolut großartigem Spiel schafft. Es gibt immer eine unterscheidbare Vorwärtslinie, da dieser Geiger einige fein geformte Phrasen offenbart. Währenddessen scheint ein breiteres Thema zu lauern. Dies ist eine gewaltige Herausforderung für jeden Geiger. Hier ist Cuckson großartig.
Mezzo Nani Füting bringt einen weiteren Auszug aus ‘… gesammeltes Schweigen’ , ‘ Fiel ein Stück Himmel …’, in dem sie Vokaltöne, gesungenen Text und gelegentlichen Sprechgesang kombiniert, sehr fein gesteuert.
leaving without / palimpsest (2006) basiert auf dem alten deutschen Volkslied Gesgn dich Laub und bringt den Klarinettisten Joshua Rubin ( http://thisroom.org) und den Pianisten Yegor Shevtsov (Yegor Shevtsov) mit, der sich langsam öffnet und ein kleines Thema vorschlägt, das sich in der Dynamik steigert gelegentlich wie es sich entwickelt, bevor es zu einem kurzen Stillstand kommt. Die Musik wird langsam aufgenommen, hält aber wieder an, als die Klarinette hinzukommt und zwischen den Melodien feine Zungenklänge erzeugt. Füting streckt oft die klanglichen Fähigkeiten der Klarinette, grenzt an das Schrille und nutzt nicht unbedingt die sanfteren Aspekte der Klarinette. Nichtsdestotrotz entstehen im Verlauf des Themas einige bemerkenswerte Klänge. Füting zeigt, wie er es immer schafft, eine musikalische Gesamtlinie zu halten, bevor er mit einer einfachen gedämpften Klaviernote endet.
Der dritte Auszug aus ‘… gesammeltes Schweigen’ ist ‘Das alte Weingut …’, in dem Nani Füting einen tieferen Ton angibt, da sie sorgfältig einen sehr fein geformten Text liefert, der stimmlich ganz hervorragend ist.
Das Titelwerk, names, erased (2012) zeigt den Cellisten John Popham und verwendet musikalisches Material von Bach, Berg und Ligeti, das kompositorisch auf den Löschprozess von Robert Rauschenberg abgestimmt ist. Www.guggenheim.org/new-york/collections/collection- online / artists / bios / 1396  in seiner berühmten Zeichnung Erased de Kooning www.sfmoma.org/explore/collection/artwork/25846 . Das Cello beginnt mit dem Wiederkäuen auf ein Motiv. Auch hier erweist sich der Solist als ein sehr guter Künstler, der es ermöglicht, dass ein Thema aus der eng verwobenen Textur der Eröffnung hervorgeht. Es ist faszinierend, den vorgeschlagenen musikalischen Linien zu folgen, die subtil auftauchen. Es gibt viele kleine Feinheiten in diesem Stück, die wiederholt zugehört werden müssen, bevor wir zu einer stillen Coda geführt werden.
Der vierte Auszug aus ‘… gesammeltes Schweigen’ ist ‘Die Teiche im Dunst …’ , in dem die Mezzosopranistin Nani Füting aus der Tiefe aufsteigt, während sie langsam zulässt, dass sich die Musik in dieser bemerkenswerten Form entfaltet. wenn kurz, stück.
ist – Mensch – geworden (was – made – man) (2014) basiert auf Zitaten von so unterschiedlichen Komponisten wie Josquin, Bach, Schumann und Debussy mit zusätzlichem Material von Boulez, Morton Feldman, Beat Furrer, Jo Kondo, Tristan Murail und Nils Vigeland. Die Flötistin Luna Kang http://lunacholongkang.com und die Pianistin Jing Yang www.morningpianoSpringen Sie plötzlich heraus, wenn Sie scharfe Flöten- und Klavierakkorde hören. Die Flöte klingt langsam in subtileren Texturen ab, bevor sie mit herabhängenden Noten und Klavierbegleitung beginnt. Es gibt einige schöne Flötenarabesken innerhalb einer eher fragmentarischen Linie. Während die Flöte das melodische Thema entwickelt, gibt es unterschiedliche Tempi mit schärferen Staccato-Passagen. Die Flötistin Luna Kang mischt gelegentlich Atem- und Stimmgeräusche ein, bevor sie schrille Flötenphrasen wiederholt.
land – haus – berg (2009) ist für Soloklavier und spielt nach Goethes Gedicht Kennst du das Land, wo die Zitronen blühen von Beethoven, Schumann und Wolf. Jegor Schewzow bringt ein rollendes Thema, das dennoch von Pausen unterbrochen wird. Es ist rhythmisch abwechslungsreich, der Pianist bringt durch seine feine Phrasierung ein wirklich schönes Gefühl in die Musik. Später ertönt eine wiederholte Note wie ein Tropfen, bevor die Musik fließender wird, jedoch mit gelegentlichen Pausen. Die schöne Coda kommt mit einer einzigen Note an. Dies ist eher ein schönes Stück.
Der fünfte und letzte Auszug aus ‘… gesammeltes Schweigen’ ist “Hoch im Gebirge …” , wo Mezzo Nani Füting einige intensive Sätze bringt, während sie sich zu einer stillen Coda bewegt.
light, asleep (2002) für Violine und Klavier eröffnet mit dem Pianisten David Broome ein breit fragmentiertes Thema. Die Geigerin Olivia de Prato www.oliviadeprato.com  bringt leise eine längere musikalische Linie und entwickelt das Thema mit einigen feinen Texturen und Klangfarben. Später gibt es eine dissonante Klavierpassage, die das Thema entwickelt, bevor sich die Violine wieder mit einigen schönen Phrasen verbindet, die in kleinen Wellen ausbrechen. Die Musik bewegt sich vor der Coda durch einige sehr feine Passagen für Solovioline.
Finden – suchen (zu finden, suchen) (2002) wurde von ehemaligen Studenten von Jörg Herchet anlässlich seinem 60 für ein Konzert von Werken geschrieben ten Geburtstag. Hier wird die Altflöte von Eric Lamb http://fluteaddict.weebly.com  bald von dem Cellisten John Popham und dem Pianisten Yegor Shevtsov in einem vorläufigen Thema begleitet, das mit einigen liebenswerten Klängen fein formuliert ist. Kleine Flötentriller steigen auf, während die Musik langsam und sanft vorwärts bewegt wird und Momente von größerer Entschlossenheit entstehen, bevor die Flöte das sanfte Ende bringt.
‘… und ich bin dein Spiegel’ (2002) für Mezzosopran und Streichquartett war ein Auftrag für das Festival Magdeburgisches Konzert und basiert auf Auszügen aus dem fragmentarischen Schreiben von Mechthild von Magdeburg (c.1207-1282). Neben der Mezzosopranistin Nani Füting spielen das Mivos-Streichquartett (Olivia de Prato und Josh Modney (Violine), Victor Lowrie (Bratsche) und Mariel Roberts (Cello).
Diese Arbeit gibt Nani Füting eine nachhaltigere Gelegenheit, ihre beträchtlichen stimmlichen Fähigkeiten in ein erweitertes Stück zu bringen. Sie tritt alleine mit einer einfachen kleinen Melodie auf und zeigt ihre sehr feine Stimme, musikalisch, flexibel und melodisch. Sie variiert dann die Melodie, bringt eine Vielzahl von Gesangstechniken mit, bewegt sich gesanglich und zeigt oft die großartige Fähigkeit, sich plötzlich zu erheben. Das Quartett tritt langsam ein, greift das Thema in fragmentierten Akkorden auf, bevor es seine Leidenschaft entfaltet und einige sehr schöne Momente mit großartigen Texturen und Klängen entwickelt. Als Füting wiederkommt, bringt sie einige deklamatorische Phrasen mit, die das Quartett ergänzen und in ihren dynamischen Sprüngen großartige Kontrolle zeigen. Es gibt eine lebendige, flüchtige Passage für wirbelnde Streichquartett-Streicher, die einen gewaltigen Texturenabfluss hervorruft, bevor Füting zusammen mit leiseren, aber immer noch schrillen Streichern zurückkehrt.
Dies ist eine großartige Schlussfolgerung zu dieser Scheibe.
Es ist Fütings Fähigkeit, auf subtile Weise Themen in einer reichhaltigeren und oft recht komplexen Textur zu entwickeln, die so attraktiv ist. Die Aufnahme ist detailliert und enthüllt jede Textur und jedes Timbre, und es gibt nützliche Hinweise sowie Volltexte und englische Übersetzungen. 

Der Komponist Reiko Füting veröffentlicht das internationale Portraitalbum DistantSong On New Focus Recordings

Der Komponist Reiko Füting veröffentlicht das internationale Portraitalbum DistantSong On New Focus Recordings

Am Freitag, den 14. Dezember 2018, veröffentlicht New Focus Recordings digital und am 4. Januar 2018 physisch distantSong, das zweite Album der Kompositionen des Komponisten Reiko Füting . Das Album enthält Werke für Stimmen und Instrumente, die von etablierten jungen Ensembles in den USA und Europa aufgeführt werden, darunter AuditivVokal Dresden, Art d’Echo, Loadbang, Corrine Byrne: Kozar: Duo, Damask und Oerknal. Die enthaltenen Kompositionen sind ein Sinnbild für Futing ‘zutiefst humanistische Herangehensweise an kreatives Handeln und ein Gespür für aktuelle politische Themen.

Füting sagt: “Mit meiner Musik möchte ich die psychologische Natur des Gedächtnisses erforschen, wie es auf das kompositorische Instrument des musikalischen Zitats projiziert wird. Indem ich dieses Instrument im gesamten musikalischen Spektrum der Assimilation, Integration, Desintegration und Segregation verwirkliche Zitate und Erinnerungen, die sich frei zwischen klaren Grenzen und allmählichen Übergängen bewegen, können als Mittel dienen, um über zeitgenössische künstlerische, kulturelle, soziale und politische Phänomene nachzudenken. “

Die ersten beiden Arbeiten zu distantSong basieren auf Stücken, die während des 30-jährigen Krieges von Baroque geschrieben wurdenKomponist Heinrich Schutz, in dem er zum Frieden aufrief. Füting widmet das Album dem Musikwissenschaftler Wolfram Steude (1931–2006), der Füting während seines Studiums an der Hochschule für Musik Dresden vorschlug, eine Komposition zu der Musik von Heinrich Schutz zu schreiben. “als ein licht” (nach einem gedicht von kathleen furthmann) für gesangsensemble, viola da gamba quintett, schlagzeugquartett und positive orgel (2011 / rev. 2018) wurde im auftrag von Die Meißner Kantorei für den dreiunddreißigsten lutherischen Konvent in Dresden im Jahr 2011. Als kompositorischer Ursprung diente Heinrich Schutz ‘Motette “Verleih uns Frieden gnadiglich” aus der Geistlichen Chormusik 1648, geschrieben am Ende des Dreißigjährigen Krieges. Die gesprochenen Worte gegen Ende stammen von Franz von Assisi,Martin Luther King.

“in allem frieden” basiert nach einem Gedicht von Kathleen Furthmann auf Heinrich Schutz ‘Da pacem, Domine, einem Werk, das 1627 für den Kurfürstentag in Mühlhausen verfasst wurde Dreißigjähriger Krieg. wie der Tag – wie das Licht, auch nach einem Gedicht von Kathleen Furthmann, fungiert als Epilog zu “in allem frieden”. Der Text basiert auf Psalm 139: “… auch die Dunkelheit wird für dich nicht dunkel sein; die Nacht wird wie der Tag scheinen, denn die Dunkelheit ist für dich so hell.”

Die ewige Rückkehr (Passacaglia) für Sopran und Trompete (2017) wurde von Corrine Byrne und Andrew Kozar in Auftrag gegeben. Der Text stammt aus Friedrich Nietzsches Thus Spoke Zarathustra: “Und ewige Wiederkehr auch der Kleinsten!” Mo (nu) ment für C (Mo (nu) ment für C), für Bariton, Trompete, Posaune und Bassklarinette (2017), wurde von loadbang in Auftrag gegeben. Der Titel bezieht sich auf Skulpturen des amerikanischen Künstlers Dan Flavin. Der Text besteht aus drei Fragmenten – “Je suis” (Französisch), “Ich bin” (Deutsch) und “I am” (Englisch), die sich auf den Angriff auf Charlie Hebdo am 7. Januar 2015 beziehen.

Weg, Lied der Schwane, für Ensemble (2015), wurde von Oerknal in Auftrag gegeben. Die Komposition wurde hauptsächlich während eines Aufenthaltes im Civitella Ranieri Schloss in Umbrien, Italien, geschrieben. Das Originalmaterial basiert auf einem Madrigal von Jakob Arcadelt, “Il bianco e dolce cigno”, das am Ende der Komposition schattenhaft erscheint. Die gesprochenen Worte gegen Ende des Hauptteils stammen aus dem Titel des deutschen Films Hin und Weg aus dem Jahr 2014 von Christian Zubert, der sich mit der komplexen Frage der Sterbehilfe befasst.

versinkend, versingend, verklingend: fernes Lied, für Vokalquartett und Instrumentalensemble (2015), wurde von Oerknal und Damask in Auftrag gegeben. Es basiert auf Claude Debussys Klaviervorspiel “La cathedrale engloutie”; Der Nachwort bezieht sich auf das deutsche Volkslied Gesegn dich Laub aus dem 15. Jahrhundert .

Über Reiko Füting Reiko Füting wurde
1970 in Königs Wusterhausen in der DDR geboren und erhielt seine Ausbildung an der Staatlichen Hochschule für Musik in Wernigerode, der Hochschule für Musik in Dresden “Carl Maria von Weber”, der Shepherd School an der Rice University in Houston, Manhattan Musikschule in New York City und Seoul National University. Zu seinen einflussreichsten Lehrern gehörten die Komponisten Jörg Herchet und Nils Vigeland sowie der Pianist Winfried Apel. Während seines Studiums besuchte er Meisterkurse bei Edisson Denissov, Tristan Murail und Christian Wolff (Komposition) sowie bei Elisabeth Schwarzkopf, Olaf Bär und Semion Skigin (Gesangsbegleitung).

Reiko Füting wechselte 2000 an die Theoretische Fakultät der Manhattan School of Music. fünf Jahre später wurde er Mitglied der Kompositionsfakultät und zum Vorsitzenden der theoretischen Abteilung ernannt. Er unterrichtete Gesangsbegleitung am Konservatorium für Musik und Theater in Rostock und war Gastdozent an Universitäten und Konservatorien in China (Changchun, Peking, Shenyang), Kolumbien (Bogotá, Medellîn), Deutschland (Berlin, Dresden, Rostock, Leipzig, Italien (Rom), Russland (Moskau) und die Vereinigten Staaten (Baltimore, Boston, Hempstead, New York, Oberlin, Philadelphia, Princeton).

Als Komponist erhielt Reiko Füting zahlreiche Preise, Auszeichnungen, Stipendien, Stipendien und Aufträge. Seine Musik wurde in renommierten Konzertsälen (Berliner Dom, Semper durchgeführt Oper Dresden, Zankel Hall in der Carnegie HallNew York) von namhaften Instrumentalisten (Miranda Cuckson, Aki Takahashi, Dan Lippel), Sängern (Gertrud Günther, Monica Meier-Schmid, Matthias Vieweg), Dirigenten (Roland Kluttig, Jeff Milarsky, Hans-Christoph Rademann), Kammermusikgruppen (Elole Piano) Trio, Loadbang, Mivos Streichquartett, Ensembles (Ensemble Courage, International Contemporary Ensemble ICE, Oerknal), Orchester (Dresdner Barockorchester, Sinfonietta Dresden, Janácek Philharmonic Orchestra), Vokalensembles (AuditivVokal Dresden, Calmus, Sänger Pur), Chöre (Dresdner) Kammerchor, RIAS Kammerchor, BerlinRadio Chor) in Österreich, Belgien, Bulgarien, China, Kolumbien, Kroatien, der Tschechischen Republik, Dänemark, England, Frankreich, Deutschland, Griechenland, Island, Iran, Italien, Japan, Lettland, Luxemburg, Norwegen, Rumänien, Russland, Südkorea , Spanien, USA, Usbekistan und Vietnam. Ausstrahlung in Radio und Fernsehen und Veröffentlichung auf CDs (New Focus Recordings, Oehms Classics, Deutsche Schallplatten). Seine Publikationen (Schott, Carus, Routledge) umfassen Kompositionen, Arrangements und analytische Artikel. Weitere Informationen unter .